Aiming to Make the Colors Rise

The 25th hour - A última hora

2011-01-13T17:06:00.000-08:00

"This is a beautiful country, Monty, it's beautiful out there, like a different world."

A última hora é um filme dirigido por Spike Lee baseado na obra The 25th Hour escrita por David Benioff. Durante 135 minutos somos convidados a viver o último dia de liberdade de Montgomery "Monty" Brogan (Edward Norton) antes deste servir uma pena de sete anos por tráfico de droga.

Edward Norton é um actor de tremenda qualidade cujo papel de maior destaque é provavelmente Derek Vyniard, o neo-nazi de American History X. Contudo na minha opinião, o seu desempenho como Monty na sua última hora de liberdade é o mais completo até à data. Monty é um traficante de droga e nunca em momento algum a personagem tenta desculpar-se pelo seu ganha pão.

Monty está rodeado das pessoas mais próximas até à hora de partir para a prisão e é na sua interacção com elas que o filme ganha novas direcções e novos centros narrativos. Este é um filme com um elenco sumptuoso que nos presenteia com interpretações extraordinárias.

No papel de Naturelle, a namorada de Monty está Rosario Dawson, capaz de demonstrar enorme sensualidade e doçura. Naturelle é uma mulher inteligente e dedicada que se sente perdida num turbilhão emocional por ver o homem que ama ir preso, por saber que a pena é justa e por se sentir impotente face a tudo isso - e talvez culpada por ter aproveitado nas palavras de Monty, o estilo de vida confortável proporcionado por um traficante de droga.

Philip Seymour Hoffman é Jacob Elinsky, um professor tímido e que tem sentimentos amorosos por uma aluna - ou será a luxúria inatingível que a relação professor/aluno desperta num homem inseguro e tímido? Jacob é amigo de infância de Monty. Estes dois e Frank Slaughtery formam o trio de amigos de infância cuja dinâmica sofre - de várias formas - com a partida de Monty.

Frank (Barry Pepper) é o amigo confiante e bem-parecido de Monty. Se Jacob é tímido, Frank é confiante e até vaidoso. A sua relação com Monty tem nuances de rivalidade, como dois machos alfa a tentar competir pelo domínio do grupo...ou será pela atenção de uma certa "fêmea". Talvez a competição esteja só na mente de um deles, o filme convida a interpretarmos de várias formas. Frank e Jacob partilham com Naturelle o sentido de impotência face ao destino de Monty, mas nenhum é condescendente ou falso. Monty vai preso e merece-o pelo que fez...mas é um amigo que tinha um estilo de vida com o qual eles compactuaram, fechando os olhos e fingindo que tudo estava bem. Talvez devessem ter tentado com que ele parasse...estas personagens carregam em si o peso das suas acções e omissões.

Por fim temos o pai de Monty, James desempenhado pelo sempre respeitável Brian Cox. Um homem desgastado pelo tempo, que viu a sua esposa falecer e nunca mais conseguiu recuperar a alegria de viver. James parece carregar o peso do mundo nas costas, algo que não é evidenciado pela postura, mas pela falta de brilho nos seus olhos. A ida do filho para a prisão é a estocada final num homem que alguns dizem não ter tido muita sorte na vida - o que é um eufemismo.

Este é um filme repleto de grandes diálogos que povoam esta caminhada de um homem que tentar se despedir da vida que conheceu para enfrentar um mundo árido e inclemente. Monty vive as suas últimas horas de liberdade com uma aceitação dormente, de quem já viveu na sua mente todas as alternativas possíveis, mas chega sempre à mesma inevitável conclusão: ele tem que ir para a prisão pelo que fez.

Todas as personagens estão ligadas a Monty e acabam por espiar as suas culpas ao despedirem-se dele. Esta é uma viagem emocional inclemente e inexorável.

Existem ao longo do filme vários momentos marcantes, entre eles destaco o discurso do antigo "patrão" de Monty, Nikolai, um homem duro que dá um conselho a Monty para sobreviver à prisão - num monólogo que hipnotiza do início ao fim; há também um momento fortíssimo involvendo um favor que Monty pede a Frank antes de ir para a prisão - um momento que exterioriza todos os demónios que aqueles amigos tinham entre eles.

De salientar ainda o longo monólogo de Monty - evocativo de Travis Bickle em Taxi Driver - no qual ele insulta imensos estilos de vida nova-iorquinos, numa demonstração de raiva e inconformidade interior. No fundo este discurso é uma anti-carta de amor a Nova Iorque que esconde nas entrelinhas a admiração de alguém que conhece a cidade e o país com detalhe e reverência.

Contudo a melhor cena do filme envolve James e Montgomery. Ao levar o filho para a prisão, James dá-lhe uma escolha: levá-lo para um local onde não o possam encontrar e aí reconstruir a sua vida. O que se segue é uma sucessão de imagens - será que é James ou Monty que as visualizam? Será uma visão partilhada? - de grande beleza, guiadas pela narração de James. Vemos qual é a alternativa ao encarceramento. É na minha opinião um triunfo de cadência e iconografia Norte-Americana: vemos pequenas localizações do Sul dos E.U.A, bandeiras americanas esvoaçando, coros de gospel, o deserto, a oportunidade de começar de novo, a oportunidade de ser feliz, um sonho americano para os anos 00. Alguns espectadores podem sentir-se enganados pelo desenlace desta cena, mas ela está em sintonia com o tom do filme.

Este é um filme que diz I love America, fresca ainda dos atentados de 11/09/2001. Um dos primeiros filmes a mostrar o ground zero no grande ecrã. Como está isto relacionado com os eventos do filme? Monty procura a sua redenção, talvez ele sinta que a atingirá pagando pelos seus crimes e dessa forma ficando livre deles para começar de novo.
Digamos que o país das oportunidades, a terra dos sonhos que deu a Monty prosperidade, tirou-lhe tudo num piscar de olhos...mas a América é ainda a terra prometida e Monty sente que ela lhe deve mais uma oportunidade e ele deve a si mesmo voltar a tentar.

Neste sentido o filme é um louvor aos E.U.A, um louvor sentido a uma nação de luto, a uma nação de orgulho ferido que queria recuperar rapidamente da tragédia que se lhe abateu.

Spike Lee filme uma Nova Yorque de ruas alinhadas e movimentadas, bares duvidosos, Nova-Iorquinos aguerridos e orgulhosos de o ser, bandeiras nas janelas, um ground-zero fantasmagórico, o Sul quase místico, o amor na cidade que nunca dorme...a imperfeição de um país que o realizador ama, que reconhece as suas imperfeições...mas ele aceita-as como parte integrante da alma e do mito da Land of opportunities.

Em suma A última hora é um filme de uma poesia melancólica, embebida em tímida esperança.

Veredicto: 5/5 (colchões)

Realizador:
Spike Lee
Elenco:
Edward Norton
Brian Cox
Rosario Dawson
Philip Seymour Hoffman
Barry Pepper
Anna Paquin

Notas: Bamboozled e Malcom X são duas sugestões de filmes de Spike Lee de grande interesse

A origem - Inception

2010-07-23T09:05:00.000-07:00

Um heist movie onírico

Como espectador, gosto de me informar o suficiente sobre um filme antes de o ver, mas nunca gosto de ir mais longe do que uma breve sinopse - brevíssima até, já que hoje em dia a arte do spoiler é praticada mesmo de forma inconsciente - e um ou outro trailer. Com Inception levei esse conceito ao extremo, pois bastou-me um trailer e uma tagline "Your mind is the scene of the crime" para decidir que este filme seria uma visualisação obrigatória.

Imagens de cidades a dobrarem sobre si mesmas, corredores que giram, desafiando a gravidade e a lógica, tiroteios estilizados reminiscentes da "Matrix" e uma premissa única, prenderam-me a este filme. Quando finalmente me sentei no cinema para o ver, as minhas expectativas não foram defraudadas.

O enredo estabelece-se à volta da seguinte sinopse: Dominic "Dom" Cobb (Leonardo Dicaprio) é um extractor de ideias, um especialista em infiltrar-se na mente do seu alvo enquanto este dorme extrai-lhe os seus segredos mais valiosos. Perseguido pela lei devido ao seu trágico e sombrio passado, Dom depara-se com uma oferta única: aceitar um trabalho que lhe permitirá deixar de ser um fugitivo. No entanto, em vez de roubar, a sua missão será plantar uma ideia, iludindo o seu alvo a julgar que a sua própria mente a gerou.

Estamos perante uma premissa já testada em vários filmes de golpada - heist movies - na qual o protagonista é um especialista na sua "arte", mas incapaz de viver uma vida fora do mundo que escolheu para si; entretanto surge a oportunidade de adquirir uma tranquilidade e normalidade através de um "último trabalho", que o espectador sabe à partida esconder mais do que inicialmente é proposto. Pois bem, neste filme já sabemos à partida que o acto de introduzir uma ideia na mente de alguém está perto do impossível, mas Dom diz ser capaz de o concretizar.

O filme contém a obrigatória sequência de apresentação dos elementos da equipa, que como manda a tradição revela um grupo carismático de indivíduos: Arthur (Joseph Gordon-Levitt) encarregue de pesquisar os alvos, Ariadne (Ellen Page) a arquitecta dos sonhos que constrói os locais oníricos onde o grupo irá tentar a implantação da ideia e Eames (Tom Hardy) o falsificador hábil em assumir diferentes identidades.

Neste filme existem dois mundos: o real, onde vemos o grupo de Dom a preparar o golpe e o onírico, onde eles treinam os seus passos e onde tomará lugar o golpe. A forma como os dois mundos se articulam é bastante intrigante, mantendo uma superficial semelhança que se dissolve à medida que prestamos atenção aos detalhes. De facto atenção ao detalhe é algo que qualquer espectador deve ter para identificar elementos cruciais para interpretarmos o que se passa e para compreendermos as implicações do mundo que se desenrola perante nós.

O conceito de entrar no sonho de outras pessoas é apresentado através de diálogo de uma simplicidade desarmante, sem precisarmos de longas sequência de diálogo enfadonhas, sem nunca se abdicar de certa complexidade que eleva este filme para o patamar de um high-concept blockbuster: eis um filme que nos apresente fantásticos efeitos especiais, cenas de perseguição empolgantes, tiroteios frenéticos, mas também e mais do que qualquer outra coisa, personagens com espessura dramática e diálogos inteligentes.

A ideia de um mundo manipulável, que existe na nossa mente e cujas acções tem efeito no mundo real, ecoam o filme "Matrix", até a forma como os personagens acedem aos sonhos é evocativa do filme dos Wachowski. Contudo o conceito de roubo de ideias, manipulação e navegação nos sonhos é muito mais coeso e familiar do que o mind jacking da trilogia "Matrix".

Christopher Nolan consegui criar um filme que é parte ficção-científica, parte heist movie, parte trhiller de acção com uns pozinhos de surrealismo e vénia à teoria Freudiana da interpretação dos sonhos. Esta é uma obra complexa sem ser impenetrável, frenética sem ser caótica, um filme que suscita amplas interpretações sobre a sua apresentação da realidade versus sonho - até onde somos capazes de estabelecer uma fronteira entre um e outro?

Nolan apresenta-nos uma viagem às complexidades da mente humana, sem nunca ceder às facilidades que um filme desta envergadura ofereceria a mãos menos capazes: os momentos de acção não são o centro do filme, os efeitos especiais servem nos fazer acreditar no mundo que se desdobra perante os nossos olhos, sem nunca serem intrusivos ou caírem no simples "fogo de artíficio".

Gostaria de destacar o virtuosismo do clímax, uma montanha russa de tensão, criada sem a mínima falha, prendendo o espectador até ao desenlace e capaz de tornar qualquer um num roedor de unhas inveterado. Menção também para todo o elenco, cheio de nomes sonante, entre promessas para a nova década Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, - já não é promessa, é uma certeza - Marion Cotillard e nomes credenciados como Leonardo Dicaprio - um grande actor, cujas escolhas de projectos revelam um artista multifacetado e carismático - Sir Michael Caine e Ken Watanabe. Os actores trazem um sentido de "gravitas" que nos permite simpatizar com as suas personagens e sentir genuíno interesse no seu sucesso.

Existe uma razão para manter a minha descrição vaga: este filme discute-se após ser visto, antes desse momento só existem conceitos e cenas desarticuladas. Após a experiência de o ver, surgem as questões, as opiniões, os debates, as emoções. Cada vez mais surge a necessidade de um cinema de espectáculo que não desprestigie a capacidade do espectador de participar, de questionar e de "intervir" na obra. Que um blockbuster de Verão o consiga é óptimo, que esse blockbuster seja um dos filmes mais inovadores e bem executados da última década, é um marco.

Veredicto: 5/5 (Labirintos)

Realizador:
Christopher Nolan
Elenco:
Leonardo Dicaprio
Ellen Page
Joseph Gordon-Levitt
Ken Watanabe
Tom Hardy
Marion Cotillard
Michael Caine
Cillian Murphy

Notas: para quem quiser mais thrillers sobre os limites da realidade, vale a pena descobrir "Shutter Island" de Martin Scorcese, também com Leonardo Dicaprio

O terceiro passo - The Prestige

2010-07-10T17:30:00.000-07:00

"Are you watching closely?"

No panorama cinematográfico actual, poucos realizadores tem sido tão prolíficos e inovadores como Christopher Nolan. Autor do brilhante quebra-cabeças que foi "Memento", do inquietante e níveo "Insomnia" ou do renascer apoteótico do cavaleiro das trevas com o díptíco "Batman Begins" e "The Dark Knight". Depois de super heróis, detectives com insónias e vingadores amnésicos, Nolan apresenta-nos um duelos de ilusionistas.

Sendo este um filme sobre magia e ilusões, nada é bem o que parece...ou talvez as respostas estejam mesmo à nossa frente, tudo depende da nossa capacidade de acreditar, ou simplesmente de não querermos saber a verdade, até que ela é revelada no grande clímax. O realizador criou um filme de grande suspense, cerebral, envolvente, em que nós somos expectadores, de um espectáculo de magia e ilusões, mas também somos a audiência do truque, somos os ajudantes que sabem os segredos escondidos atrás da cortina e no fim somos cúmplices de tudo o que se passou. Este filme não é só entretenimento...pode ser um desafio se quisermos fazer mais do que ver, se quisermos descobrir o segredo que se esconde no terceiro passo - e no fim gostar ou não gostar da grande revelação é uma questão de gosto pessoal, mas não há como escapar ao facto deste filme ser um triunfo de narrativa, realização e interpretação.

Nos papéis principais temos Hugh Jackman no papel de "Robert Angier" e Christian Bale como "Alfred Borden". N' "O terceiro oasso" interpretam dois aprendizes de ilusionista que se tornam obcecados em destruir a carreira um do outro após um trágico acidente: a mulher de Angier morre na tentativa de encenar a fuga de um tanque de água. Alfred Borden foi quem atou os pulsos da esposa de Angier, com um nó mais difícil de soltar - ainda que sob a sugestão da própria performer. A partir daqui ambos começam carreiras independentes como ilusionistas: Borden torna-se "O Professor" e Angier "O grande Danton". Ambos tentam sabotar a carreira um do outro com efeitos desastrosos para os dois.

Borden concebe um truque chamado "O homem transportado" no qual ele faz pinchar uma bola de borracha pelo palco, entra num armário e sai pelo outro a tempo de apanhar a bola. Este truque torna-o bem sucedido o que deixa Angier obcecado por descobrir o seu segredo, suplantando-o.

O que se segue é um sucessão de ilusões, ou melhor dito, enganos, através dos quais os dois mágicos vão tentar levar a melhor um sobre o outro. É um duelo de grandes mentes que nos deixa a adivinhar: imaginem um ilusionista a usar o truque da moeda que aparece atrás da orelha, mas outro aparece para fazer o truque da moeda que desaparece da testa, a seguir o primeiro já não faz a moeda desaparecer, mas faz a pessoa desaparecer... e ficamos tão fascinados com o desaparecer e aparecer da moeda e depois da pessoa que não pensamos muito no mecanismo, porque sabemos que há um truque. Só que neste filme o importante não é saber qual é o truque, mas quais as consequências. Este é um filme sobre mágicos, mas acima de tudo é sobre dois homens obcecados um com o outro, capazes de cruzar qualquer limite não só para ser o melhor, mas para derrubar o seu rival.

Hugh Jackman e Christian Bale estão soberbos nos seus desempenhos: Angier é o verdadeiro entertainer, cheio de glamour e pose, enquanto que Alfred é o ardiloso e engenhoso. Neste filme não se pode dizer que há um vilão e um herói, seria muito redutor e quando se dá o desenlace será difícil conceber que algum dos dois passe definitivamente para qualquer um dos lados do espectro moral - são dois seres ambíguos perdidos nas suas obsessões. Este filme requer um segundo visionamento para apurar as subtis nuances das interpretações de Jackman e Bale.

O restante elenco é estelar e contribui para os grandes desempenhos dos actores principais: temos Sir Michal Caine, Scarlett Johansson (num papel mais pequeno do que os posters publicitários levam a crer), Andy Serkis e David Bowie.

Este é um filme surpreendente, inteligente, que convida o espectador a entrar numa câmara de espelhos e fumo até revelar no final o seu grande segredo: um segredo tão grandioso como a sua execução, mas que no fim é diminuto comparado com o que custou para o conquistar.

Veredicto: 4/5 (gatos pretos)

Realizador:
Christopher Nolan
Elenco:
Christian Bale
Hugh Jackman
Michael Caine
Scarlett Johansson
Andy Serkis
David Bowie

Notas: Qualquer filme de Christopher Nolan é recomendado pela sua abordagem pessoal, as suas personagens bem construídas, excelente direcção narrativa e domínio de suspense. Um dos grandes realizadores actuais.

Rec

2010-03-30T02:39:00.002-07:00

Chegou a vez dos zombies espanhóis

Primeiro aconteceu em 1968: George A. Romero soltou no mundo insuspeito a primeira praga zombie com o importantíssimo "The night of the living dead". Estava criado um subgénero que viria a ser definitivamente cimentado na sétima arte e na cultura popular com a sequela "Dawn of the dead" na qual Romero se superou em quase toda a linha. O filme de zombies tornou-se rapidamente um visitador frequente nos cinemas mundiais. Não só Romero o revisitou inúmeras vezes - sua "Dead series" já vai em cinco filmes - como rapidamente despoletou uma onda de imitadores - o natural movimento de quem quer fazer dinheiro à custa de uma ideia que faz sucesso - e posteriormente de inovadores.

A praga dos mortos-vivos já foi retratada em várias cinematografias para além da Norte Americana: Nova-Zelândia (Brain dead), Japão (Versus), China (Bio-zombie), Inglaterra (28 days later), França (La horde) e Portugal (I'll see you in my dreams), entre muitos outros exemplos. Espanha não é obviamente excepção e apesar de Rec não ser o primeiro filme de zombies espanhol, é na minha opinião o melhor e surgiu numa fase em que o terror made in spain começou a ser um género prolífero e exportável - nomeadamente para Hollywood.

Rec é um filme de terror que bebe influência de vários filmes, nomeadamente de "Blair Witch Project" e de "28 days later". Do primeiro retira o estilo shakky camera, no qual o acção é veiculada através de uma câmera portátil manuseada por um dos protagonistas da acção - pelo menos de acordo com a coerência interna do filme, ou seja é também um dispositivo narrativo - do segundo aproveita e adapta o conceito de zombie que surgiu nesse filme: ao contrário dos zombies lentos que se tornam perigosos em grande número, uma "patente" eternizada nos filme de Romero, os zombies de Rec e "28 days later" são rápidos e agressivos - diria raivosos.

A premissa de Rec é rapidamente estabelecida desde início: uma reportagem sobre uma equipa de bombeiros de Barcelona torna-se num pesadelo quando uma chamada para retirar uma mulher presa num apartamento corre muito mal, muito depressa. O camera men Pablo (Javier Botet) e a apresentadora da reportagem Angela Vidal (Manuela Velasco) são os protagonistas, já que vemos a acção através da câmara de Pablo e observámos sempre em primeira mão as reacções - que vão do espanto ao absoluto terror - de Angela.

Rapidamente chegados ao apartamento os bombeiros verificam que a inquilina presa em casa está fora de si - raivosa diria eu - e ataca um dos bombeiros. A situação fica descontrolada, as autoridades vedam o edifício deixando Angela, Pablo e todos aqueles que ainda não se tornaram em ferozes canibais, à mercê de...ferozes canibais.

Em todos os filmes de zombies a génese da zombificação é alvo de uma de duas abordagens: ou o enredo a explica - atribuir a causa a radiação ou a um vírus são as explicações clássicas - ou a causa é um mistério. No primeiro caso a explicação do que causa ou espalha a condição que torna humanos em cadáveres ambulantes torna-se um dispositivo de avanço da acção, no segundo a falta de explicação foca a narrativa na sobrevivência a todo o custo. "Rec" propõem uma explicação que simultaneamente inova, mas que também remete para as origens históricas da zombificação - e mais não digo para não estragar o filme a quem ainda não viu. Tendo explicado esta parte é de salientar que este filme não vive do enredo. Este filme vive da exposição de duas das pulsões mais primárias do ser humano: a violência sem amarras e o medo da escuridão. A violência é explosiva e sufocante, ampliada por uma câmara que mostra tanto quanto esconde, o seu ângulo limitado criando ilusões que se tornam reais quando da escuridão irrompem seres que querem por fim à vida dos protagonistas.

Filmar a acção na perspectiva da primeira pessoa não é um truque barato. Somos convidados a ser Pablo o camera men, a partilhar os seus medos, a tentar recuperar o fôlego como ele o faz, a tentar ser corajosos e não desviar o olhar.

"Rec" é rápido, sangrento e eficaz a criar uma atmosfera tensa e que nos deixa a sentir que andamos numa montanha russa: podemos fechar os olhos, mas a escuridão também assusta, talvez mais do que aquilo que podemos ver.

George A . Romero é o pai dos filmes de zombies, conseguiu fundir nos seus filmes o gore e o comentário político e social em todos os seus filmes. Aqui não há tais preocupações a nível de temas, mas o cinema também desperta os sentimentos mais inatos em nós, experimentar o horrível no conforto do cinema. Aqui tudo isso é conseguido.

Veredicto: 4/5 (crianças assustadoras)

Realizador:
Jame Balagueró e Paco Plaza
Elenco:
Manuela Velasco
Javier Botet
Manuel Bronchud
Martha Carbonell
Claudia Font
Vicent Gil

Notas: toda a saga de George A. Romero merece menção, particularmente os dois primeiros filmes. Para uma homenagem cómica e sentida recomendo "Shaun of the dead". "28 days later" e "Dead Snow" são bons exemplos de filmes não americanos de zombies.

Estado de Guerra - The Hurt Locker

2010-03-30T01:23:00.001-07:00

A máxima de Hitchcock seguida quase à letra

A questão que urge perguntar é a seguinte: Qual a razão para "Estado de guerra" surgir como o grande vencedor da cerimónia dos Oscars deste ano? Num ano que parecia indicar que a indústria iria premiar o filme mais lucrativo de sempre ("Avatar") os galardões principais, Melhor Filme e Melhor Realizador(a) agraciaram um filme que foi recebido de forma unânime - um conceito irrealista mas, que cai sempre bem nas publicações que geram a publicidade de qualquer filme - pela crítica, mas que esteve longe de ser um sucesso de bilheteira. Não fugindo à questão que coloquei afirmo desde já que a mesma continha várias rasteiras: não há apenas uma razão para o sucesso crítico do filme, são várias e não proponho sequer uma resposta definitiva, pois a minha visão é a de um cinéfilo humilde que está ainda a construir a sua visão cinematográfica, desta arte que todos apelidam de sétima, mas que para mim ocupa a posição primeira.

A primeira característica que julgo ser importante é a forma como esta obra desconstrói vários arquétipos, não só dos filmes de guerra, mas também dos filmes de acção. Vemos narrados os dias de uma equipa Norte-americana de desarmamento de minas no período de pós-invasão do Iraque. Os primeiros minutos do filme são essenciais para estabelecer o tom do filme: existe uma bomba encoberta por entulho numa rua principal; o ambiente é tenso, a população local vê a equipa de desmantelamento a tentar lidar com a bomba; qualquer um daqueles observadores pode ser o bombista, avaliando a capacidade dos americanos em lidar com a sua arma. Esta cena estabelece desde logo a relação tensa entre as tropas invasoras -que se designavam como sendo libertadoras - e o povo local que ou os olha com uma mistura de reprovação, curiosidade ou até mesmo indiferença.

Mas não nos esqueçamos da bomba. Como disse anteriormente esta cena é importantíssima não só na lógica interna do filme, mas também em relação a todos os filmes anteriores que fizeram questão de usar explosões como clímax de cenas de acção, rotineiras e irrealistas, em nome do fogo fátuo ( Michael Bay estou a olhar para ti): a explosão de uma bomba é um fenómeno visualmente apelativo, mas também devastador e mortífero. Será improvável que voltemos aceitar uma explosão num filme de acção boçal, depois de vermos os efeitos de uma neste filme. Aqui as explosões não se evitam com sprints heróicos e danos mínimos, aqui as explosões não são fogo de artifício gratuito, porque este é um filme em que o peso de uma vida humana é apresentado tal como ele é: no confronto entre homem e explosão as hipóteses não estão de todo no nosso lado.

Para quem ainda não viu o filme advirto já: este filme contem doses de tensão industrial; mas todos os momentos são construídos com uma coerência, uma mestria que nos deixa num estado de ansiedade tremendo, que nem sempre culmina com o sucesso de uma bomba desarmada, até porque ficamos na expectativa de ver outra cena em que o equilíbrio entre a vida e a morte está no fio de um detonador - o espectador torna-se num viciado em adrenalina.

No papel principal temos Jeremy Renner como Sargento William James um perito em desarmar bombas, mas cujo comportamento é pouco prudente - confesso que este é um enorme eufemismo. A forma como lida com as diversas missões que enfrenta mostram que este é um homem que vive para experimentar o perigo da forma mais pura que é possível: olhando-o nos olhos. William avança para os engenhos explosivos com uma naturalidade desconcertante deixando incrédulos os seus colegas de equipa, incumbidos de o proteger. A tensão entre William e os seus colegas de equipa é feita de forma muito subtil e exceptuando dois diálogos importantes, é maioritariamente mostrada através dos silêncios e acções. William é um ser que vive para experimentar emoções intensas, coloca a sua vida em risco por uma emoção que tem tanto de intenso e fugaz, como de letal - para ele a guerra é uma droga.

A guerra é aqui representada como crua, fria, com rajadas de acção rápida e confusa, expondo a realidade dos americanos no Iraque: fora do seu elemento, num país estranho e inóspito. A realizadora expõe as cenas de acção como jogos de xadrez, alternando jogadas rápidas com outras ponderadas onde vemos que só estão em jogo os peões. Cada bala é mortal, cada deslize potencialmente catastrófico e pese embora algumas tentativas de incutir um factor "cool" em cenas dispersas, a guerra que vemos aqui não tem nada de apelativo ou divertido.

Este é um filme cheio de virtudes, com uma narrativa escorreita e coesa, cujo único soluço é um enredo secundário sobre um rapaz bomba que o protagonista quer vingar. Não incomoda o resto do enredo, mas sabe a supérfluo e ficamos sem saber o seu propósito mesmo para estabelecer o perfil psicológico do protagonista.

O grande mérito da realizadora Kathryn Bigelow é balancear os momentos de tensão/acção com o desenvolvimento das personagens, que tirando uma grande excepção, não se mantêm uniformes à medida que a narrativa se desenvolve. Kathryn não se esquece que para criar um momento de tensão algo tem que estar em jogo, mas esse algo tem que ser importante. Neste caso está em jogo a vida das personagens principais. Claro que esta equação só está completa se elas forem personagens com as quais nos identificamos, com as quais nos fascinamos e cujas relações inter-pessoais soam verosímeis e relevantes: a direcção segura da realizadora e as interpretações brilhantes dos seus actores fecham a equação de forma brilhante.

Como já referi em outros textos Hitchcock dizia "Existe uma bomba debaixo de uma mesa na qual algumas pessoas jogam ás cartas: se a bomba explode temos acção, enquanto a bomba não explode temos suspense". Da expectativa e da dúvida nascem os grandes momentos de tensão, do novelo fiado nessa insuportável, mas cativante situação nasce o grande vencedor dos Óscars deste ano.

Veredicto: 5/5 (dvds pirata)

Realizadora:
Kathryn Bygelow
Elenco:
Jeremy Renner
Anthony Mackie
Brian Geraghty
Christian Camargo
Evangeline Lilly
Ralph Fiennes
Guy Pierce
David Morse

Notas: para mais olhares únicos sobre a guerra e os E.U.A, aconselho "The Thin Red Line" de Terrance Malick, "Three Kings" de David O. Russel e "Full metal Jacket" de Stanley Kubrik...a lista é imensa.

Sacanas sem Lei - Inglourious Basterds

2009-09-01T07:29:00.000-07:00

A guerra com um twist à la Tarantino

Quantin Tarantino é um autor de cinema. Os seus filmes são simultaneamente reverência e reinvenção. A sua forma de fazer cinema assenta em dois pilares essenciais: diálogos criados com mestria de artesão, como que tece uma intrincada tapeçaria para no fim a estender sob os nossos pés e a puxar logo de seguida, deixando-nos estonteados; o segundo pilar é uma mescla de diversos géneros de cinema, amiúde provenientes do cinema de série B, moldada de forma a que seja possível reconhecer todas as referências.

Este é um tipo de cinema meta-linguístico, em que uma forma de arte tem em si referências a si mesma e a outras formas de arte. Todos os filmes deTarantino contêm, de forma mais explicítia ou implícita, esta meta-linguagem, mas este é na minha opinião, o que mais faz para trazer o cinema para a linha da frente -e para a linha de fogo também - bastando para isto lembrar o clímax desta obra.

"Sacanas sem lei" apresenta uma premissa simples: uma unidade de soldados judaico-americanos semeia o terror entre as tropas nazis sediadas em França durante a ocupação alemã. O seu modus operandi é brutal: os alemães são executados com fogo de metralhadora, tacos de baseball e de outras formas "imaginativas". No fim os que tem o privilégio de voltar com vida, trazem uma lembrança na forma de uma suástica, gravada com faca, na testa.
Sabendo que os testas de ferro do terceiro reich, incluindo o próprio Hitler, vão estar todos num cinema em Paris, é formado um plano para os eliminar - este filme passasse num período histórico alternativo, por isso esperem surpresas.

Estes "sacanas" são um grupo ideossincrático de soldados - na boa tradição de um "Wild bunch" ou "Dirty dozen", filmes que de resto são inspiração e fonte de reverência para esta obra - liderados pelo tenente Aldo Rain, encarnado por um Brad Pitt em modo caricatural e que é fonte de muito do humor deste filme. O tenente Rain exige a cada um dos seus soldados cem escalpes nazis... o que não só é fonte de algumas cenas de gore explícito, como confere um tom western, a um filme que de resto está cheio de referências a esse género cinematográfico.

Esta obra é Tarantino em tour de force, pois é em partes iguais western, filme de guerra - o que apesar de não parecer, está longe de ser a fonte mais forte de inspiração temática, apesar da reconstituição competente da segunda guerra mundial - filme de acção, comédia negra, filme de vingança e claro aula de trivia cinematográfica ao bom estilo do realizador.

Depois de um "À prova de morte" centrado maioritariamente num só personagem carismático, o stuntman Mike de Krut Russell, Quentin Tarantino volta ao "ensemble filme" com um elenco vasto, repleto de personagens carismáticas e inesquecíveis: o tenente sulista, aficionado de escalpes, Aldo Rain, o "Urso Judeu" (Eli Roth) conhecido por matar nazis à bastonada, a judia fugitiva Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) e aquela que é a personagem do filme, o Tenente das S.S. Hans Landa (Christoph Waltz) -um educado oficial nazi encarregue de caçar judeus, capaz de gelar o sangue de qualquer um só com um sorriso. A cena de abertura é das melhores já vistas num filme de Tarantino ou em qualquer outro filme, que tente criar uma situação de suspense baseado em interpretações indeléveis, hipnotizantes, sustentadas em diálogos suberbos e num delicioso jogo de câmara - Hitchcock ficaria orgulhoso.

Falando em cenas marcantes, esta é uma obra em que o cineasta emprega de forma magistral
momentos de suspense construídos lenta, mas progressivamente desembocando em momentos de clímax inesquecíveis e muito recompensadores para o espectador. Nunca tantas cenas passadas à volta de mesas foram tão iconográficas - e mais não digo para não estragar a surpresa de quem ainda não viu.

Este é um regresso em força de um autor que muitos ainda dizem ser de culto, mas baseado na forma como os seus filmes geram antecipação e nunca caiem na indiferença, parece habitar a ténue encruzilhada entre o cinema de culto, o cinema de autor e o mainstream.

Veredicto: 5/5 (Copos de leite)

Realizador:
Quentin Tarantino
Elenco:
Brad Pitt
Christopher Waltz
Mélanie Laurent
Michael Fassbender
Eli Roth
Diane Krueger
Daniel Bruhl
Til Schweiger

Notas: a ver alguns dos filmes que são revisitados nesta obra, "Wild Bunch", "The dirty dozen" "One upon a time in the west"

Zatoichi

2009-06-23T10:21:00.000-07:00

"Even with eyes wide open, my world is one of darkness."

Zatoichi é uma personagem Japonesa imensamente popular, protagonista de inúmeros filmes e séries televisas. Aqui é nos apresentada a sua mais recente encarnação, pela visão do reconhecido realizador/actor Takeshi Kitano - que mais uma vez faz juz à sua reputação de prolífico artista realizando e protagonizando o papel principal.

Zatoichi é um massagista cego, que vagueia de aldeia em aldeia oferecendo os seus serviços. Um homem humilde, um sábio de voz suave e aparência inofensiva. Além disso é um dotado espadachim, extraordinário no combate com katanas. As suas habilidades em combate são acentuadas pelos seus sentidos apurados, que se assemelham a uma espécie de sexto-sentido.

O enredo é tradicional, não fugindo das características principais que tornaram Zatoichi uma personagem tão popular: o protagonista vagueia até uma aldeia aterrorizada por uma guerra entre gangues Yakuza e no ínicio não se faz notar, fazendo uso da sua natureza discreta. Além do medo face à violência que os gangues infligem, os locais são forçados a pagar valores muito altos para que os gangues não lhes façam mal.

Zatoichi cedo se verá envolvido na proteção dos habitantes da aldeia, particularmente o dono de uma quinta de quem se torna amigo e duas gueixas a quem oferece a sua ajuda, na procura por vingança contra o gangue Yakuza que lhes matou a família.

A acção neste filme é estilizada, com os samurais a executarem bailados minimais com os seus movimentos marciais. O sangue jorra de forma abundante, mas estilizada, o que em união com a desposição teatral dos corpos cria efeitos espantosos e dramáticos. Contudo as cenas de duelo são rápidas e vão alternando com momentos de exposição das personagens, das suas motivações e natureza. Os momentos em que as personagens se misturam com a natureza, que as rodeia de forma a criar uma tela realista, são variados e conferem ao filme uma contenção e contemplação próprios de uma representação de época de uma época longínqua em que homem começou a descurar a sua harmonia com a natureza.

A reconstituição do Japão Feudal está suberba e permite-nos mergulhar completamente no enredo e nas acções dos protagonistas. Falando ainda de protagonistas, é curioso como Takeshi Kitano nos apresenta uma personagem de voz suave, que parece desaparecer sob os diálogos e acções dos que os rodeiam, contudo não é apenas quando desembainha a espada que se torna o centro das atenções, pois até o seu estilo de combate é contido e minimalista; na verdade a sua natureza observadora e sensível ao que o rodeia torna-se o seu maior trunfo para conquistar a amizade e lealdade alheias.

Este é um excelente filme de samurais: contemplativo, sereno e com combates estilizados e vibrantes. Uma obra equilibrada, um filme que balança bem os seus vários elementos.

Veredicto: 4/5 ( Bengalas)

Realizador:
Takeshi Kitano
Elenco:
Takeshi Kitano
Tadanobu Asano
Michiyo Okuso
Yui Natskukawa
Guadalcanal Taka
Daigiro Taichibana
Yuko Daike
Ittoku Kishibe
Saburo Ishikura
Akira Emoto

Notas: num estilo diferente, mas do mesmo realizador recomendo "Fireworks" e "Kids Return"

Monty Python e o cálice sagrado - Monty Python and the Holy Grail

2009-06-07T14:32:00.000-07:00

Um épico cómico

Falar dos Monty Python é falar de um estilo de comédia que, quando surgiu, varreu completamente a face do humor televisivo. Aplicar esse humor tão sui generis ao grande ecrã resulta uma experiência única e delirante. Este filme aborda a demanda de Rei Artur pelo cálice sagrado. Para atingir esse feito, o Rei mitológico vai durante o curso da sua viagem recrutar os seus cavaleiros da mesa redonda, para formar um grupo valoroso de guerreiros. E assim chegamos ao fim de qualquer semelhança que este filme tem com a lenda de Rei Artur e do cálice sagrado.

O que vemos durante aproximadamente noventa minutos é uma sequência de cenas onde o humor típico dos Python está tão impresso em cada linha de diálogo, como uma impressão digital impossível de remover. E é um humor plural: absurdo, non-sequitur, negro, surrealista, político, satírico, auto-referencial, físico, libidinoso e non-sense.

Cenas como a do Cavaleiro Negro, A besta de Caerbannog, os Cavaleiros que dizem Ni, ou até mesmo os créditos iniciais, mostram que desde o primeiro segundo este filme não está interessado em ser normal. De facto as piadas muitas vezes quebram a quarta dimensão e estamos cientes que as personagens sabem que estão num filme. E é preciso ter isto em consideração quando presenciamos o clímax - ou o anti-clímax - deste filme. Claro que chegamos ao fim sabendo que uma obra tão desregrada, anárquica e inovadora como esta, não podia acabar de outra forma que não a que nos é apresentada.

Existe um gozo indisfarçável no rosto destes comediantes, enquanto subvertem um dos mitos mais conhecidos da literatura europeia e fonte de inúmeras adaptações televisivas e cinematográficas. Este piscar de olho a nós espectadores, torna-nos cúmplices e obriga-nos a estar atentos a todos os detalhes, desde as expressões faciais até aos adereços usados.

Falando em adereços, este filme foi filmado com poucos recursos e nem os realizadores nem os actores quiseram esconder isso. Logo de parcos recursos surgem amplas oportunidades de humor, desde os efeitos de pirotecnia baratos, aos cenários falsos, maquilhagem sofrível e substitutos para equídeos - naquele que é uma das piadas visuais mais conseguidas do filme.
Não obstante tudo isto, nunca por um segundo colocamos a credibilidade do filme em questão. Este é um épico sem dúvida, mas por razões diferentes, que não valores orçamentais.

O grande defeito deste filme é uma certa tradição de humor televisivo que acaba por ser transportado para o grande ecrã. As cenas assemelham-se a sketches, que nem sempre se articulam totalmente entre si, levando-nos a esquecer a razão da sua relevância para o enredo - mas tendo em conta a forma como o enredo é (mal)tratado, talvez isso seja propositado. Este estatuto estanque das cenas retira coesão ao filme, mas dado que são na sua maioria inovadoras e genuinamente engraçadas, é uma falha qe facilmente se esquece.

Este é um filme repleto de um humor que ataca em várias direcções, religião e política incluídos - se bem que não tanto como em filmes posteriores dos Pyhon - e que também brinca com conceitos filosóficos e existencialistas, relembrando-nos que a razão para os Monthy Python serem baluartes da comédia, é o facto de o seu humor ser de facto inteligente.

Para nos fazer rir e para nos provocar, sem reservas.

Veredicto: 5/5 (Coelhos brancos)

Realizador:
Terry Gilliam, Terry Jones
Elenco:
Graham Chapman
John Cleese
Eric Idle
Terry Jones
Michael Palin

Notas: Dos Python aconselho o seminal "A vida de Brian"
e "O sentido da vida".

Alta fidelidade - High fidelity

2009-06-03T08:13:00.000-07:00

Música, amor e outras atribulações

O enredo de "Alta fidelidade" gira em torno de Rob Gordon (John Cusack) um melómano com pouco jeito para lidar com relações amorosas. Quando a sua namorada Laura (Iben Hjejle) termina a relação, John decide revisitar velhas paixões para tentar compreender o que falha nas suas relações.

Rob passa os dias na sua loja de discos, Championship Vynil, fazendo observações sobre os seus clientes - ou a falta deles. Juntamente com os seus amigos Dick (Todd Louiso) e Barry - um Jack Black em estado de graça que rouba todas as cenas em que participa e tem a mais engraçada tirada do filme - forma um trio de elitistas musicais que troça da ignorância dos seus clientes, elabora os mais variados "top 5" acerca de tudo o que possam imaginar e ás vezes vendem discos.

Entretanto Rob descobre que a sua ex-namorada está com outro homem e enquanto revisita as restantes 4 mulheres mais importantes da sua vida, vai tentando descobrir o que faz dele um bom ou mau namorado - ao mesmo tempo que faz cenas de ciúmes em frente a Laura.
Cada encontro que Rob tem com uma das mulheres com quem namorou, acentua simultaneamente a personalidade e transição que ele fez ao amadurecer e a ideossincrática personalidade de mulheres que ele parece já não conhecer. Estes encontros são simultaneamente fonte de humor e reflexão - mais para Rob do que para o espectador.

Um dos aspectos mais singulares desta obra é o facto de Rob se dirigir ao ecrã para falar, ou seja estabelece um diálogo com o espectador, quebrando a quarta dimensão. Esta característica cria proximidade, à medida que Rob confidencia em nós os seus desejos, ansiedades, medos e confusões. Tornamo-nos seus confidentes, ainda que não necessariamente seus amigos o que nos permite julgá-lo, mas nunca, na minha opinião deixar de simpatizar com ele - Cusack criou uma personagem, que não obstante os seus defeitos é fácil de gostar.

"Alta fidelidade" é um filme rodeado de música, quer nos diálogos que gravitam á volta do tema, quer nas melodias que servem de banda sonora para os diferentes momentos emocionais do filme. Contudo a música presente é normalmente diegética, o que confere um tom realista a um filme que, dado o tema, podia cair nos braços de um pseudo-musical, estragando a ambiência e capacidade emotiva de certas cenas-chave.

Este é um filme sobre e com música, mas também é um filme sobre pessoas: pessoas que amam, que erram, que estao frágeis e que procuram alguém para partilhar um futuro. Rob é particularmente pungente como um snob melómano, que age como adulto em part-time, reservando o resto do seu tempo para agir como um adolescente hormonal. A sua forma de agir com as mulheres de quem gostou permite-nos conhecer um homem com medo de compromissos, que se acha rebelde; alguém que sente o apelo de uma vida adulta, mas teme perder algo nessa transição. Uma espécie de Peter Pan dos tempos modernos.

Aqui não vão encontrar uma típica comédias de equívocos ou humor situacional. O tom é ligeiro, o humor subtil, mas inteligente e permite momentos de maior impacto dramático...um pouco como a vida real. Aqui o humor também surge muita das personagens que são carismáticas e dos actores que realmente as encarnam - sentimos que estas personagens podem de facto existir.
Um filme com sensibilidade, sentido de humor e muita música: aquela que ouvimos, aquela de que falam e aquela que imaginamos.

Veredicto: 4/5 (músicas sobre pessoas que estão em coma)

Realizador:
Stephen Frears
Elenco:
John Cusack
Iben Hjejle
Jack Black
Tim Robbins
Todd Louiso
Catherine Zeta-Jones
Lisa Bonet

Notas: De John Cusack aconselho os filmes "Gross point blanck", "Identidade Misteriosa" - desconstrução simpática do género trhiller - e "A barreira invisível".

Deixa-me entrar - Lat den ratte komma in

2009-06-01T14:29:00.000-07:00

Flocos de neve, pingos de sangue

Os calmos subúrbios de Estocolmo são o pano de fundo para uma história de amor pueril, mas diferente do que é habitual. Entre prédios cinzentos, ruas vazias de pessoas e repletas de árvores nuas e muita neve, assistimos ao desenrolar da vida de Oskar (Kare Hedebrant), um solitário rapaz de 12 anos, vítima do abuso físico e psicológico por parte de um grupo de colegas de escola.
Oskar vive com a sua mãe, mas é claro que a sua existência é solitária, isolando-se do mundo e imaginando a vingança contra aqueles que o mal-tratam.

Contudo um dia conhece Eli (Lina Leandersson), uma pálida e misteriosa rapariga que se muda para o mesmo prédio e desde logo o avisa que não se podem tornar amigos. Contudo com o passar dos dias ambos desenvolvem um laço, à medida que partilham as suas existências solitárias, brincando juntos e trocando mensagens em código morse através das paredes dos seus apartamentos.

Eli não é, no entanto, uma rapariga normal. Além da sua tez pálida e do seu caracter reservado ela só sai à noite - algo que Oskar repara e refere causualmente. E apesar de como espectadores descobrirmos a natureza de Eli bem cedo no filme, Oskar vai-se apercebendo, mas não é algo que ele trate com muita importância ou que seja razão para se afastar: Eli é uma vampira. O homem com quem vive e que as pessoas assumem ser seu pai é na verdade aquele que lhe providencia o sangue que Eli necessita, matando estranhos para lhe drenar o sangue.

O rumo dos acontecimentos vai levar a que Eli fique sozinha e apartir daí o mundo que Oskar e ela criaram para si vai ser posto em causa. Sobre o enredo, isto é tudo o que sinto que devo dizer, ficando o resto para (re)descobrir por quem achar que este filme merece uma oportunidade - principalmente antes do já anunciado remake Norte-Americano.

Este é um filme com vampiros, mas não, na minha opinião, sobre vampiros. É um filme contemplativo, sincero e tocante. Não é um filme de terror ou de sustos gratuitos. Os vampiros são tratados com seriedade e é empregue alguma da mitologia relacionada com eles, - como a aversão à luz solar, por exemplo - mas isto não é feito com intuito sensacionalista ou como potenciador de cenas estafadas do subgénero dos filmes de vampiros.

Face ao epicentro emocional do filme, a relação entre Eli e Oskar, o tema do vampirismo é secundário, mas como já disse tratado com credebilidade. Sentimos ternura no desenrolar da relação inocente entre dois seres que estavam sozinhos no mundo até se terem um ao outro. É fácil esquecer o que Eli em momentos de ternura pueril entre ambos, momentos de inocência pincelados por brancos flocos de neve que pontuam a paisagem ao abrigo de calmas noites. Neste aspecto o filme é introspectivo, sereno e contemplativo.

Para contrabalançar esta faceta, a história desenvolve cenas mais violentas, próximas do que é normal ver em filmes de vampiros, mas isso assume-se como algo de natural no decorrer da história e serve para estabelecer os acontecimentos do terceiro acto: Oskar e Eli tomarão um percurso que os irá forçar a escolher entre o mundo que criaram ou o que tinham antes - alguns dirão que essa escolha nem sequer é apresentada, o que também é uma forma válida de interpretar os acontecimentos.

Raros são os filmes que apresentam tanta sensibilidade ao abordar temas tão reais como o bullying, o isolamento, o desagregar familiar com outros tão sobrenaturais como os vampiros e a sua dificuldade em amar e perdurar a sua presença numa sociedade que é simultaneamente o seu sustento emocional e físico. E Eli é um dos vampiros mais carismáticos da história do cinema com a sua postura tão intrigante e desconcertante, longe do comum estereótipo de imortal sedento de sangue.

Existe neste filme uma melancolia impregnada nas imagens, nos rostos e na fabulosa - a espaços lúgubre, a espaços radiante - banda sonora. Está presente também uma inocência desconcertante e pura como a neve que é entrecortada por cenas em que o sangue corre e pessoas perdem a vida. Contudo este não é um filme de dois tons - branco e vermelho - pois não sentimos um corte abrupto entre momentos de contemplação e outros de gore. Tudo flui sem esforço em direção a um final que é bem mais inesperado e ideal do que poderíamos julgar.

Veredicto: 4/5 (Cubos de rubix)

Realizador:
Tomas Alfredson
Elenco:
Kare Hedebrant
Lina Leandersson
Per Ragnar

Notas: outro filme de vampiros atípico e anti-clichés desse sub-género que recomendo é "Cronos" de Guillermo del Toro

Vingança Planeada - Chinjeolhan geumjassi

2009-05-28T06:09:00.000-07:00

Pura como neve

Uma procissão musical cristã toma lugar à porta de uma prisão, em honra de Lee Geum-Ja (Lee Young Ae) uma recém libertada e reformada prisioneira, sentenciada pelo homícidio de uma cirança chamada Won Mo. O caso, atraiu a atenção da nação devido à sua aparência jovem e inocente e condenou-a a uma longa sentença, senteça essa que foi encurtada devido à sua aparente transformação pessoal na prisão. No então mal abandona o cárcere, Geum-Ja ignora a procissão em sua honra e parte imediatamente com o intuito de se vingar.

Lee Geum-Ja, não cometeu o homícidio de que foi acusada. O verdadeiro assassíno, Mr. Baek (Choi Min-Sik) forçou-a a confessar pelo crime ou a filha recém nascida de Geum-Ja seria morta.
Na prisão vemos Geum-Ja a fazer um grande número de amizades: doa um rim a uma companheira de cela, toma conta de outras e assassina uma prisioneira que agradia e violava outras mulheres. O seu comportamento maternal granjeia-lhe a alcunha de "Sra. com um coração de ouro".

Fora do cárcere Geum-Ja começa rapidamente a largar essa fachada de simpatia e adopta simbolos que reforçam essa transformação como usar sombra para os olhos vermelho-vivo e sapatos de tacão provocadores. A sua sede de vingança manifesta-se através de sonhos recorrentes nos quais ela mata Mr. Baek.

Fora da prisão somos testemunhas do minucioso plano que Geum-Ja coloca em acção. A sua eficácia, meticulosidade, calma e descernimento fazem dela um ser frio e distante cujo o único objectivo é a vingança. A transformação de jovem inocente, para mulher amarga, mudada por circunstancias que não pode evitar, fazem de Geum-Ja o protótipo da anti-heroína: aqui está uma mulher que não conhece limites para atingir os fins. Como espectadores escolhemos antecipar o climax da sua vingança e crer que é justificada, ou aguardamos que uma cadeia irrevogável de acontecimentos a impeça de extrair a sua vingança? Que moralidade estará ausente aqui?

A transformação da protagonista conhecerá outro nível quando a sua filha reentrar na sua vida. Será que é tarde para esta mulher perdida voltar a encontrar o seu papel como mãe? A sua filha estava a viver com pais adoptivos Australianos e não fala Coreano. A intimidade entre mãe e filha atinge-se para lá das palavras.

Este é um filme sobre vingança, o terceiro na chamada "Trilogia da Vingança" do realizador Park Chan-wook e mais uma vez este realizador aborda esta temática de forma inesperada. Falei de moralidade e falei de antecipar o climax do filme. Revelar o terceiro acto seria estragar a experiência, mas dizer que a reflexão que cria sobre conceitos como a perda, a validade de quem quer vingança, é apenas despertar a curiosidade.

De facto este filme não se limita a apresentar-nos o vilão destorcido e a justiça que deve ou não ser-lhe aplicada; não apresenta na realidade o vilão como o único potencial monstro, pois coloca as coisas noutra perspectiva: um ser humano toldado pela injustiça da perda, é capaz das mais atrozes acções, capaz de suspender a sua humanidade para pagar na mesma moeda a quem lhe causou dor.

Este filme levanta estes temas e não nos apresenta um final fácil, mas consgue terminar com uma sensação de resolução. Dado os temas e acontecimentos que aqui vemos, parece-me algo difícil de fazer, mas que é bem sucedido. Para pensar sobre as implicações e sobre o que significa a vingança.

Veredicto: 4/5 (Cubos de tofu)

Realizador:
Park Chan-wook
Elenco:
Lee Young-Ae
Choi Min-Sik

Notas: Aconselho os dois restantes filmes desta "trilogia da vingança": "Simpathy for Mr. Vengeance" e "Oldboy-velho amigo"do qual já falei neste blogue.

Irreversível - Irreversible

2009-05-24T13:07:00.000-07:00

O tempo destrói tudo

Estamos na presença de um filme violento, um filme sem restrições, um filme que algumas pessoas irão considerar impossível de ver. "Irreversível" contêm uma cena na qual uma mulher é violada e agredida selvaticamente durante alguns, intermináveis, penosos minutos. A câmara permanece estática, nunca se desviando da hedionda cena. Outro momento já infame deste filme, consiste no brutal assassinato de um homem, com um extintor que é repetidamente, ad nauseam, arremessado à sua cara. Mais uma vez a câmara permanece focada nesse acto animalesco, obrigando-nos a desviar o olhar se não aguentarmos o que vemos.

Que haja muita gente que não viu o filme, mas conhece a sua fama, é normal e de facto a intensidade das cenas que referi não são para os de fraca disposição. Esta obra figurou em vários noticiários devido ao elevado número de pessoas que abandonavam a sua exibição nas salas de cinema. Contudo não considero que este filme seja sensacionalista ou pornográfico.

Tal como "Memento" de Christopher Nolan, este é um filme cuja estrutura cronológica está invertida. Contudo se assim não fosse em vez de abrir com a tenebrosa cena de agressão com o extintor, seriamos convidados a observar a intimidade de um casal muito apaixonado. Eles são Alex (Monica Bellucci) e Marcus (Vincent Cassel). Seguiríamos a sua vivência num dia em que decidiram ir a uma festa em casa de uns amigos. Pelo caminho reúnem-se com Pierre (Albert Dupontel), melhor amigo de Marcus e outrora amante de Alex.

Na festa Alex, vestida de forma sensual é claramente uma fonte de luxúria para os homens que a rodeiam. Seguidamente Alex ausenta-se da festa e caminha por um túnel para fazer um pequeno recado. Aí encontra um chulo chamado Le Tenia (Joe Prestia) que a viola e agride sem misericórdia.

Após esta tragédia seguimos Marcus e Pierre que vagueiam à procura do violador. Acabam por entrar num clube S.M. onde encontram um homem que julgam ser Le Tenia e um deles mata-o com uma fúria descontrolada.

Consideremos agora como o filme começa - com este brutal homicídio - e como termina - com cenas de ternura entre o casal. Com esta abordagem, o inverter dos acontecimentos altera a nossa percepção das cenas e metamorfoseia o impacto que tem em nós. Num plano cronológico normal, presenciaríamos uma descida gradual aos infernos, em que o sexo e a violência agem como uma "recompensa" chocante e sensacionalista - isso é algo que a pornografia faz. Aqui o pior é desde logo apresentado e depois voltamos atrás para observarmos vidas que serão para sempre alteradas.

Desta forma reconsideramos o que vimos nas cenas em que o casal está junto e em harmonia; reconsideramos os subtis sinais de perigo que levam à tragédia; consideramos que saber o futuro não é uma bênção, mas sim uma maldição - nós vemos o futuro e depois observamos o que ocorre antes. Sabendo como tudo acaba, qual o impacto das cenas de felicidade e paz que nos são apresentadas antes da violação? O filme relembra-nos que a nossa vida seria impossível de viver sem a inocência da nossa ignorância.

Ao colocar estas questões este filme apresenta profundidade, leva-nos a reflectir na fragilidade da nossa felicidade. Que as cenas de homicídio e violação nos sejam apresentadas no início obriga-nos a lhes "sobreviver" para que permaneçamos a ver o filme a pensar sobre todas as repercussões. Desta forma o filme não só é contra a violação como é, a nível estrutural, moral.

A ironia reside no facto de todo o conflicto emocional que este filme trasnmite, nos atingir antes e depois das famigeradas cenas que tanta polémica causaram -porque o impacto das mesmas é mais visceral que emocional.

Além disso este filme apresenta-nos uma caracterização feminina muito progressiva. Alex é uma mulher sensual, mas não é um mero troféu ou objecto de desejo. Ela é inteligente, independente, forte e lutadora. Quando é capturada por Le Tenia, observamo-la a utilizar todas as suas forças para lhe resistir, fugir e não se deixar subjugar.

Concluo enfatizando que este é um filme que nem toda a gente quererá ver, pois apresenta muita crueldade. Contudo este filme é contra o crime de violação e a pornografia advoga a favor aquilo que mostra. "Irreversible" não é um filme pornográfico. E no meio de tanta negrura ainda há frinchas que permitem perscrutar os locais de harmonia e beleza do espírito humano. Que isso sirva para nos fazer questionar o que vimos e lamentar a tragédia que se desenrola é uma prova da força e integridade deste filme.

Veredicto: 4.5/5 (Sinfonias nº7)

Realizador:
Gaspar Nóel
Elenco:
Monica Bellucci
Vincent Cassel
Albert Dupontel
Joe Prestia

Notas: Outros filmes que empregam a técnica da inversão cronológica e que recomendo: o supracitado "Memento" de Christopher Nolan e "Betrayal"de David Jones com Jeremy Irons e Ben Kingsley.

Os piratas dos mares da China - Project A

2009-05-18T16:15:00.000-07:00

Um hino ao humor físico

Hong Kong 1900. Piratas ardilosos tem saqueados navios meses a fio, iludindo a polícia marítima e a força policial de Hong Kong. Claro que o facto de estes dois departamentos manterem uma acesa rivalidade - que culmina num visualmente deliciosa e caótica briga de bar - não ajuda na captura dos infames piratas. Dragon Ma (Jackie Chan) é um oficial da polícia marítima, que se vê obrigado a treinar sob a tutela da polícia de Hong Kong, numa tentativa de reunir esforços e capturar o líder dos piratas San-Po (Dick Wei).

Dragon Ma terá não só que tentar pôr cobro aos raids piratas, como também unir as forças policiais num esforço comum e combater a corrupção que existe no seio de ambas. Este é o resumo do enredo, mas honestamente nunca vi um filme do Jackie Chan pelo enredo e este não é excepção.

Os filmes de Chan não possuem enredos elaborados, nem são lembrados pela carga dramática que as cenas ou os actores transmitem. No entanto também não são essas as razões pelas quais eu vejo um filme deste talentoso actor. Sim talentoso, não na senda de um Nicholson, um De Niro ou Pacino, mas sim de um Buster Keaton ou Charlie Chaplin. Ou seja a capacidade de nos entreter com um humor físico extremamente expressivo, coreografado com um sentido de timing cómico sem mácula. Jackie Chan não é o sucessor de Bruce Lee nem pretende se-lo. Ele emprega as suas proezas físicas em situações de combate que tem um efeito visual cómico, mas também algo sério: não nos esquecemos que tudo é coregrafado, mas também não é possível não admirar a técnica e o timing com que tudo é executado. Além do mais é do conhecimento geral - através dos out takes que povoam os créditos finais de quase todos os seus filmes - que Jackie não usa duplos e arrisca imenso em algumas cenas de perigo real.

Neste filme existem cenas de grande escala, desde uma caótica briga num bar, passando, por uma perseguição nos telhados, até uma genial e extremamente cómica perseguição de bicicletas que só podia sair da mente de Jackie Chan. A presença de grandes estrelas do cinema de artes marciais como Sammo Hung e Yuen Biao asseguram que não é só Jackie que é capaz de nos impressionar com os seus feitos.

Em suma este filme é um entretenimento garantido, porque não é só um filme de acção e artes marciais; tem também momentos cómicos bem construídos, em que o humor situacional e físico imperam. É inegável a qualidade das coreografias de combate, assim como toda a reconstituição histórica que presenciamos - a nível de cenários e guarda roupa.

Num altura bem anterior á americanização de Chan, este é um dos seus melhores filmes dentro do género da comédia de acção.

Veredicto: 3.5/5 (Espingardas)

Realizador:
Jackie Chan
Elenco:
Jackie Chan
Sammo Hung
Yuen Biao
Dick Wei
Lee Hoi San

Notas: Aconselho também da filmografia de Chan a sequela deste filme, entitulada "Jackie Chan é o herói - Project A part II".

Cães Danados - Reservoir Dogs

2009-05-14T14:43:00.000-07:00

Vilões coloridos

Quentin Tarantino é conhecido pelo seu amor pelo cinema, pela forma apaixonada, quase pueril com que se refere aos seus filmes favoritos, quer os tenha realizado ou não. Particular aficionado dos filmes séries B e de exploitation, sempre fez questão, contudo, de reverenciar - e referenciar - vários géneros cinematográficos. Nesta sua primeira obra Tarantino evoca principalmente a estética do filme noir e do heist movie - este ultimo com uma certa variação.

"Cães Danados" conta uma história simples: cinco desconhecidos são contratados para assalatar uma joalharia. Nenhum se conhecia antes de serem contratados e para manterem o seu anonimato, cada um tem o seu nome substituído por uma cor: Mr. Blonde (Michael Madsen), Mr. Blue (Eddie Bunker), Mr. Brown (Quentin Tarantino), Mr. Orange (Tim Roth), Mr. Pink (Steve Buscemi) e Mr. White (Harvey Keitel). Esta galeria de personagens coloridas tomará o centro da acção, quer física, quer falada. Afinal de contas este é um filme de Quentin Tarantino, pelo que além da violência gráfica, acção minuciosamente coreografada, numerosas referências à cultura popular, não podiam faltar os diálogos rápidos, incisivos, mordazes e auto-referenciais - a marca por excelência deste realizador.

Tal como no seminal "Pulp Fiction", a progressão narrativa é não-linear, transmitindo uma sensação de caos e adrenalina, tal como os eventos que ocorrem no filme. Referi que Tarantino evoca os heist movies - filmes de golpe/assalto -, mas numa interessante reviravolta apenas nos são mostrados os acontecimentos que antecendem e que precedem o assalto à joalharia. Com esta opção ficamos a saber o que aconteceu pela boca dos assaltantes e tendo em conta que surgem versões diferentes dos acontecimentos a situação fica extremamente tensa e misteriosa. A omissão do assalto coloca toda a atenção nas atitudes dos protagonistas, obrigando-nos a estudar as suas reações a procurar respostas. Contudo este mistério não é a parte central do filme. Esta obra gira à volta de homens duros e da forma como se relacionam em alturas conflicto - um conflicto que explode entre eles, quando o assalto corre de forma não planeada.

Estamos perante um cocktail de diálogos espirituosos, acção, música dos anos setenta, violência e homens que tentam ser grandiosos na sua maldade e frieza; falo da pose dos vilões dos filmes noir, traiçoeiros rudes - e aqui bastantes malcriados, porque a profanidade também é uma das marcas de Tarantino.
Sem dúvida que as personagens caminham as linhas do estereótipo dos vilões cool, mas isso é algo que não foi inventado por Tarantino, ele apenas se limita a reavivar essa imagem.

Para uma primeira obra sem dúvida que considero este filme de grande qualidade, ainda que perca em comparação com os filmes seguintes do realizador. Contudo a maior parte dos temas que lhe apraz abordar surgem já aqui na sua grande maioria. Um filme para fãs e para todos os outros que gostam quando a arte é auto-referêncial.

Veredicto: 3.5/5 (Orelhas)

Realizador:
Quentin Tarantino
Elenco:
Harvey Keitel
Tim Roth
Steve Buscemi
Chris Penn
Michael Madsen
Lawrence Tierney

Notas: Deste realizador aconselho outro filme sobre uma golpada "Jackie Brown". Ou num registo diferente "Inglourious Basterds" cuja estreia no grande ecrã está próxima.

Este país não é para velhos - No country for old men

2009-04-27T17:05:00.000-07:00

A morte tem um rosto

Este filme abre com a narração do sheriff Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), sobre como o crime está a aumentar naquela região desolada do Texas, em 1980. O seu tom está repleto de desalento, a voz de um homem que sabe que os tempos mudaram e que se tornou obsoleto perante essa mudança. Este monólogo de abertura corre o risco de se tornar um daqueles discursos icónicos da sétima arte.

Somos depois apresentados a Llewelyn Moss (Josh Brolin) um soldador, que enquanto caçava perto do Rio Grande descobre uma cena de massacre: vários carros abandonados, cadáveres por toda a parte e grandes quantidades de heroína. Claramente um negócio de droga que teve um desfecho trágico. Llewelyn descobre o homem que fugira com o dinheiro e decide guardar a avultada soma para sim - a calma com que ele faz tudo isso é digna de uma análise da personagem por si só. Ao fazê-lo vai despoletar uma cadeia de acontecimentos trágicos.

Llewelyn torna-se o alvo de Anton Chigurh (Javier Bardem), um assassino contratado para recuperar o dinheiro. Chigurh é um sociopata existencialista com um hábito de fazer perguntas filosóficas às suas vitímas. A sua busca pelo dinheiro é implacável e a sua habilidade para aparecer sempre perto do Llewelyn, quase sobrenatural. O seu desempenho no assassínio de todos os que se lhe opõem e até daqueles que não lhe oferecem qualquer resistência é infalível. Se lhe tirassemos o corte de cabelo ridículo, colocassemos uns óculos escuros e o despissemos de personalidade, estaríamos na presença do Exterminador Implacável. Contudo a sua personalidade e diálogos fantásticos e hipnotizantes tornam-no algo infinitamente superior a uma caricatura ou algo cómico. Sempre que Anton está em cena a tensão é palpável ,para as suas vítimas e para nós. Sem dúvida um dos grandes vilões da história do cinema.

O filme é uma espécie de western moderno, onde três personagens estão envolvidas numa perseguição sem tréguas. O sheriff tentar trazer Llewelyn para a segurança, mas este mostra-se irredutível em manter o dinheiro; Chigurh é uma força imparável e amoral que parece estar sempre um passo atrás; e Llewelyn não compreende que a situação na qual se colocou o transcende. O filme tem momentos de acção e tensão, ma so seu ritmo é contemplativo. Os diálogos são as força motriz do filme, com a sua simplicidade e genialidade desarmante. As cenas passadas em pleno deserto tem uma componente etérea belíssima.

Este é um filme que captiva pelas interpetações, diálogos e momentos marcantes. O seu ritmo é calmo, quase diria que é um Western zen. No fim levanta questões que importam discutir sobre a vida, a morte, a era moderna e os "bons velhos tempos", pois este é também um filme sobre uma América que já não existe, uma América que perdia ali, no início dos anos 80 o que restava da sua "inocência".

Veredicto: 4/5 (armas de gado)

Realizador:
Joel e Ethan Coen
Elenco:
Josh Brolin
Javier Bardem
Tommy Lee Jones
Woody Harrelson
Kelly Macdonald

Notas: Dos mesmos realizadores aconselho "Blood Simple", "Fargo", ambos filmes sobre as consequências desastrosas de planos que correm mal. Num tom mais ligeiro - bem mais de facto - "Destruir depois de ler".

O Cavaleiro das Trevas - The Dark Knight

2009-04-27T16:27:00.000-07:00

O que significa ser um herói?

Gotham City é uma super metrópole decadente. Um local cheio de edifícios imponentes, sumptuosos, que contrastam com as ruas decrepitas e inseguras. A criminalidade é rampante e a polícia corrupta e inepta para a combater. Batman (Christian Bale) continua a ser um vigilante temido por uns, amado por outros, que se mantêm à margem da lei no seu combate ao crime. Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal) continua activamente a combater o crime na barra do tribunal, agora com o seu namorado, o procurador Harvey Dent (Aaron Eckhart) como aliado. A máfia que controla a maioria do crime organizado na cidade continua a tentar eliminar Batman. Não mudou muita coisa desde o fim do primeiro filme. Isto é até surgir um novo tipo de ameaça.

O início do filme é electrizante: o assalto a um banco onde a máfia guarda o seu dinheiro, durante o qual os seus perpretores vão se eliminando um a um, supostamente a mando do cabecilha, para que não haja pontas soltas. Este começo intrigante e recheado de acção serve para nos apresentar desde logo a personagem do Joker (Heath Ledger) e para que saibamos que estamos na presença de um vilão extraordináriamente ardiloso e impiedoso. A segunda aparição do Joker servirá para que compreendamos que, de cada vez que ele surge em cena, não sabemos o que esperar, mas somos sugados pelo seu magnetismo, pela sua presença esmagadora.

Os temas principais desta sequela, do já bastante bom "Batman: O início", é: quanto tempo será Batman capaz combater a injustiça, antes de ceder à tentação de fazer justiça pelas suas próprias mãos; onde acaba a justiça e começa a vingança? O herói, ou anti-herói, dependendo da visão de cada um, começa a sentir-se assoberbado pela quantidade de injustiças e ignonímias que são perpretadas e ficam impunes face à lei. Será ele capaz de manter o seu código moral face a vilões que não possuem tal coisa e até usam isso contra Batman? Além do mais este novo adversário, este Joker é capaz de criar os mais dificeis dilemas, as mais dificeis escolhas que colocam o herói numa situação em que qualquer escolha implica uma pesada derrota.

Este é sem dúvida o filme de super-heróis que atravessa a linha do simples entretenimento e passa para territórios de elevado drama. As personagens são complexas, assim como as suas relações. As situações e os dilemas morais e pessoais apresentados são complexos e desafiantes.
Retirem a máscara a Batman e a maquiagem ao joker e estamos na presença de um filme policial de contornos operáticos. Mas sendo este ainda um filme de acção, não faltam momentos de grande espectacularidade, mas sem dúvida que o entretenimento jaz na interação das personagens e nas suas relações.

Este filme ficará para sempre marcado pelo desempenho do falecido e postumamente oscarizado Heath Ledger. Muito já foi dito sobre o seu desempenho de um joker que surge como um elemento causador de instabilidade e destruição; o caos personificado que não tem origem, apenas a finalidade de criar a desordem. Num filme com um elenco tão prestigiado, que o vilão seja a personagem que mais interesse provoca, não é minorizar as restantes, pois são todas soberbas, mas sim apontar a qualidade deste Joker que já se tornou um ícone cinematográfico.

Este Cavaleiro das Trevas é um dos filmes mais importantes do seu género e que não tenho dúvidas que ficará na história do cinema. As implicações que são lançadas aqui sobre o caminho que Batman terá que seguir, face aos acontecimentos que enfrentou, prometem uma sequela ambiciosa, mas que terá uma tarefa árdua de superar este grande filme.
Veredicto: 5/5 (Lápis que desaparecem)

Realizador:
Cristopher Nolan
Elenco:
Christian Bale
Heath Ledger
Maggie Gyllenhaal
Aaron Eckhart
Gary Oldman
Morgan Freeman
Michael Caine

Notas: Do mesmo realizador aconselho o enigmático "Memento" e o filme que antecede este "Cavaleiro das Trevas", "Batman : O início".

Blade Runner Perigo Iminente - Blade Runner

2009-04-17T06:36:00.000-07:00

Da humanidade

L.A. 2019 . Uma paisagem repleta de edifícios gigantescos e imponentes, sobrevoada por veículos híbridos que parecem ter partes de nave e de carro e iluminada por painéis publicitários enormes. No entanto isto é apenas o céu, apenas a guarida de todos aqueles que tem dinheiro para viver nestes luxuosos colossos de metal, vidro e betão. Aqui vivem os magnatas, a elite de um mundo em que mega empresas controlam tudo. Nas ruas no nível térreo a realidade é bem mais caótica. As ruas estão sobrepovoadas, toda a gente tenta subsistir em todo o tipo de actividades legais ou ilegais, muitos neons, muitos prédios degradados, pobreza, criminalidade, ruas cheias de fumo, ruído e movimento. É neste ruas que se movimenta Rick Deckard (Harrison Ford), um Blade Runner que é forçado a sair da reforma para caçar replicants.

Um replicant é um ser humanóide artificialmente criado. Exteriormente são exactamente iguais aos humanos, sendo apenas passíveis de serem identificados através de um teste de empatia. Após uma revolta iniciada pelos replicants, a sua existência na Terra foi banida. Contudo quatro replicants fugiram de uma colónia no espaço e estão de momento a monte em L.A. Estes replicants foram construídos com um mecanismo que lhes permite viver apenas quatro anos, para que não desenvolvam memórias e se tornem demasiado humanos.
A missão de um Blade Runner é eliminar replicants. O instinto de um replicant é sobreviver a todo o custo a um Blade Runner...a todo o custo.

Acompanhamos Rick na sua deambulação pelas ruas decadentes desta metrópole (retro)futurista, ruas fumarentas, nas quais o protagonista erra como um detective saído de um noir. Deckard tem de facto um instinto apurado, mas de facto parece algo despistado nos seus confrontos com os replicants. A questão de como um humano sozinho pode ser um oponente contra os replicants, que são fisicamente mais fortes, surge muitas vezes no filme; mas dado que a questão da identidade e do que significa de facto ser humano povoa todo o filme, considero que isso é apenas mais uma parte do puzzle.

No iníco do filme Deckard conhece Rachael (Sean Young), uma assistente de Tyrell, o dono de uma das mais poderosas empresas do mundo e criador dos replicants. Rachael é uma replicant experimental que julga ser humana. As memórias que possui pertencem à sobrinha do seu patrão. Deckard sabe que Rachael não é humana, mas cedo um romance se desenvolve entre ambos.

Na sua procura pelos replicants foragidos Deckard mostra-se insensível à possibilidade de estes seres poderem ser mais que meras "criações", contudo envolve-se com uma. A natureza desta relação é ambígua e cada um poderá retirar uma leitura diferente: será que é uma relação puramente física, ou existe um verdadeiro sentimento de ambas as partes? Mas poderá um ser artificial sentir o amor? E Deckard? Será realmente humano? Como é possível que ele sobreviva constantemente a encontros mortais com os replicants e sobreviva? Sorte ou algo mais? Como disse a questão da identidade e do que implica a humanidade é algo que está sempre presente neste filme.

Mas e que dizer dos replicants? Principalmente do seu líder, Roy Batty (Rutger Hauer) um modelo de combate, alto, forte, loiro, ariano? Roy parece alternar entre um psicopata destemido e uma criança grande. No seu combate final contra Deckard, Roy demonstrará que a compaixão não é um valor exclusivamente humano. E o seu monólogo final coloca em perspectiva a questão da memória, da brevidade de toda a vida e experiência humana. A companheira de Roy, Pris (Daryl Hannah) é um modelo de prazer que também age como uma criança, mas quando é provocada torna-se mortal. Enquanto se escondem daqueles que os caçam, este replicants vivem num mundo quase de sonho, com um humano que cria brinquedos.

Estes replicants temem a morte, eles estão cientes que são finitos, que a sua existência é ainda mais breve que a dos humanos. Eles choram a morte um dos outros. Eles querem saber porque foram criados e se existem algum propósito ulterior á sua criação. Querem saber porque não lhes é permitido exceder as suas limitações impostas. É dificil não nos questionarmos onde jaz a humanidade nesta história e como consequência no mundo real. Quando um ser artificial é capaz de demonstrar mais compaixão que um humano, coloca-se a questão: a humanidade é um estado etéreo que transcende a componente biológica, física? Afinal o que é que nos torna realmente humanos? A capacidade de sentirmos empatia e compaixão, ou é tudo uma questão de estatuto biológico?

Que um filme seja capaz de levantar estas questões e muitas outras é por si só um feito notável. E sendo verdade que as respostas ficam para que nós as encontremos e os significados ocultos para que nós os decifremos, considero que este filme é um excelente ponto de partida para outros debates.

E este é um filme que suscita muito debate, devido á existência de várias versões, com finais diferentes que podem alterar a forma como interpretamos sequências chave. A edição a que este texto se refere é o Director's cut.

Veredicto: 3.5/5 (unicórnios de origami)

Realizador:
Ridley Scott
Elenco:
Harrison Ford
Sean Young
Daryl Hannah
Rutger Hauer
Edward James Olmos

Notas: filmes que abordam as relações complexas entre humanos e seres artificiais e que tal como este foram baseados emk romances de Philip K. Dick e que recomendo : "I.A - Inteligência artificial" e "I Robot".

Persepolis

2009-04-14T15:51:00.000-07:00

O sinal mais famoso do Médio Oriente

Num aeroporto, uma jovem mulher, Marjane Satrapi é impedida de entrar num avião para o Irão. Sentada e a fumar um cigarro ela começa a relembrar a sua infância em 1979, como uma criança de 10 anos com sonhos de ser uma profeta e imitadora de Bruce Lee. Nessa altura o Chá do Irão, apoiado pelos E.U.A é extremamente impopular e a família de Marjane tenta apoiar a sua demoção na esperança de criar uma sociedade mais justa.

Contudo as eleições que se seguem são ganhas por Fundamentalistas Islãmicos e apartir daí a vida de Marjane vai conhecer uma profunda reviravolta, à medida que o governo no poder vai criando um estado repressivo: as mulheres tem que tapar a cabeça, não podem sair sozinhas à rua pois são assediadas pelos militares e outros homens, dissidentes são capturados e executados e qualquer desacordo com o regime pode causar sérios problemas.

Contudo a jovem Marjane é rebelde e livre de espírito. Face a códigos tão rígidos ela assume uma postura de desafio: usa t-shirts de bandas de metal na rua, houve música rock e protesta contra as mentiras que lhe ensinam na escola. Os seus pais também organizam festas secretas para gozarem os pequenos prazeres que o governo proíbiu, como o alcool.

Só que esta conduta rebelde coloca Marjane e a sua familía em perigo, pelo que decidem envia-la para a Europa para estudar e viver de forma livre. Na Austria, vai sentir-se terrivelmente isolada, numa sociedade que não valoriza as liberdades que possui, mas que gosta de as exibir. Aí alojada numa casa de freiras, Marjane vai continuar a demonstrar aos que a rodeiam , que a intolerãncia existe em todos os cantos do globo. Também haverá tempo para descobrir o amor e o desgosto.

A viagem pelas memórias de Marjane ainda vai permitir um regresso à sua terra, mas no que diz respeito à sinopse desta história, quedo-me por aqui, pois este filme é muito rico do ponto de vista narrativo e ainda só aflorei a superfície.

A história é de facto um ponto forte, não só pela forma como é narrada, mas também pelo uso absolutamente perfeito do equílibrio entre momentos de alegria e de tristeza. Não é todos os dias que o público ocidental pode contactar com um filme que pinta um retrato tão descomprometido de uma sociedade que nos habituamos a ver no noticiário - quase sempre pelas piores razões -, mas que mal conhecemos.

É um filme nos fala da guerra e da sua inconsequência e sempre que alguém morre, sempre que uma injustiça é cometida em nome da guerra ou de um ideal político ou religioso o filme não toma partidos, apenas aquele partido que devia ser de todos: o do respeito por toda a humanidade. Vemos sempre tudo da perspectiva da protagonista, quando esta é criança e quando é uma adolescente e pelos olhos de uma criança a guerra e o ódio são objectos feios, incompreensíveis e aberrantes.

É um filme que também nos mostra que os países do Médio Oriente, não são antros repletos de fanáticos religiosos; lá como em qualquer lado, mesmo ao fundo da vossa rua, existem pessoas capazes de uma humanidade tremenda e pessoas capazes das mais indizíveis acções. E quando um filme nos apresenta a realidade desta forma é dificil não ficarmos rendidos à simplicidade com que o faz. Não é maçudo, não é dramalhão, é honesto e não possui agenda política: o seu objectivo não é odiarmos o Irão, o Médio Oriente em geral, a religião cristã ou Muçulmana, a Europa ou os E.U.A. A sua agenda é questionarmos as acções que cada um de nós toma que limita, discrimina os outros, mesmo aquelas que fazemos sem pensar. Portanto o alvo são todas as sociedades que permitem ou toleram a descriminação, todas as sociedades que ainda fomentam a guerra seja por que motivos.

O feito extraordinário deste filme é a forma como nunca torna nenhum tema pesado ou politicamente comprometido. Os momentos de humor estão presentes e o filme consegue ser equilibrado: ver Marjane com um blusão de ganga com as palavras "Punk is not dead" a desafiar duas mulheres fanáticas é um momento em que o humor e a tensão estão em perfeita sintonia.

E Marjane é uma protagonista maravilhosa: expressiva, inteligente, rebelde, culta, mordaz, apaixonada. O filme resulta porque acima de tudo nos preocupamos com ela e ao observarmos o seu crescimento, sentimos mesmo que a conhecemos.

Por fim convém salientar a animação simples e a preto e branco que é de uma expressividade fulgurante: as ruas, as pessoas, os efeitos de movimento, os rostos das personagens e todas as suas inúmeras expressões compõem uma obra que visualmente é arrebatadora. Nunca um filme a preto e branco teve tanta cor. Um filme imenso e eterno - e baseado numa história real.

Veredicto: 5/5 (Botões do Michael Jackson)

Realizador:
Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud
Elenco:
Chiara Mastroianni
Catherine Deneuve
Danielle Darrieux
Simon Abkarian

Notas: Para mais filmes que nos apresentam perspectivas diferentes das sociedades Orientais, recomendo "Paradise Now".

Kill Bill

2009-03-26T15:39:00.000-07:00

Here comes the bride...

Uma das controvérsias em torno do quarto filme de Tarantino gerou-se com a decisão de dividir a obra em duas parte, algo que muitos viram como uma jogada sem escrúpulos para receber mais dinheiro por um só filme. A minha opinião sobre os motivos que levaram à divisão do filme em dois não interessam, mas a minha leitura sobre o díptico é a seguinte: Kill Bill deve ser visto como um só filme; a parte dois não é uma sequela, mas sim a segunda metade que o completa. A parte um não faz sentido sem a parte dois, seria como ler um livro do meio até ao fim ou do início até ao meio. Contudo a divisão em duas partes, apesar de tornar os filmes algo desiquilibrados, permite analisar a diferença de tom e muitas das referências com as quais Tarantino, como cinéfilo, povoou o filme.

A narrativa é contada através de uma ordem cronológica não-linear, ao estilo do seminal "Pulp Fiction" e dividida em capítulos. Conhecemos a história da Noiva (Uma Thurman), uma assassina reformada, que é atacada no dia do seu casamento, estando grávida ainda para mais, pelo seu antigo chefe e amante, Bill (David Carradine). Desde o ínicio sabemos que esta será uma história de vingança, pois a Noiva, cujo verdadeiro nome apenas conhecemos no volume 2, sobrevive ao violentíssimo ataque do Esquadrão de Víboras, os assassinos de elite de Bill. Após o seu longo coma e tendo perdido a sua filha, a Noiva prepara uma lista de alvos a abater, sendo o último obviamente o titular Bill.

Esta é a simples premissa, como normalmente esperamos de um filme com a vingança como pano de fundo e de facto todo o percurso bebe inspiração de filmes mais antigos com temáticas de vingança. Tarantino essencialmente pegou em dois géneros que são clássicos do cinema mundial e que abordaram inúmeras vezes o tema da vingança: são eles o western e o filme de samurais. Culturalmente enraizados nos países de origem e na mente de cinéfilos de todo o mundo este tipo de filmes sempre mostraram homens e mulheres, que em situações adversas fazem justiça pelas próprias mãos. Claro que os temas não se esgotam aí, mas a vingança sempre assentou bem nas áridas planícies do deserto americano ou sob as amendoeiras em flõr de um Japão feudal.

Esta é claramente a primeira e mais óbvia diferença entre a primeira e a segunda parte. Se no volume um, a homenagem é totalmente direccionada aos épicos de artes marciais, na segunda é o western que assume destaque. Claro que se virmos os filmes como deviam ser vistos, ou seja de uma só vez, a transição é fluída, mas vistos separadamente a ideia que fica, é que o primeiro concentra a maior parte da violência e o segundo a maior parte dos diálogos e do desenvolvimento das personagens. Por mais que isto seja verdade, ambos os filmes são bem sucedidos naquele que é o seu objectivo principal: serem homenagens sentidas a um tipo de cinema de série B que teve o seu apogeu na década de 70 em ambos continentes Asiático e Norte-Americano.

A viagem da Noiva faz-se pelos subúrbios americanos, pelos bairros futurísticos e coloridos a neon do Japão, as vastas planíces desertas dos E.U.A e as praias do Novo México. Até chegar a Bill ela terá que enfrentar o seu esquadrão de assassinos, todos com nomes de código que remetem para uma espécie mortal de víbora - na melhor tradição de filmes de artes marciais em que os grupos de guerreiros tinham nomes de animais. Esse grupo é uma galeria de personagens diversas e muito especiais, que vão de Vernica Green, uma dona de casa verdadeiramente perigosa (Vivica A. Fox), uma loira e ciclópica assasina Elle Driver (Daryl Hannah), um aparentemente estafado e inútil segurança de um stripclub e irmão de Bill, Bud (Michael Madsen) - um actor que renasce sempre que é chamado por Tarantino - e O' Ren Ishi, uma chefe da máfia japonesa com ar angelical e um coração de gelo ( Lucy Liu).

Até embate final somos brindados com sequências de acção muito sangrentas, mas muito estilizadas - ao bom estilo dos filmes japoneses de acção - que o sangue jorra em quantidades absurdas; mas a intenção não é fazer rir, são simplesmente códigos estéticos que estão para os filmes de artes marciais, como os duelos ao amanhacer para os westerns. Os embates entre A Noiva e os "Víboras" são sempre épicos, cada um de forma diferente e sempre jogando com a noção que cada um de nós tem de como uma batalha entre titãs deve ser. Claro que tenho que destacar no segundo volume, o flashback do treino que a Noiva se submete às mãos do exigente e severo Pai Mai ( Gordon Liu). Este segmento coloca na nossa retina toda a mística representada pelo estereótipo do mestre eremita que é um deus do combate e da meditação. É um capítulo que quebra o tom de Western que domina a segunda parte, para nos enviar de novo para ambientes orientais. Na primeira parte a música de Nancy Sinatra "Bang Bang (My baby shot me down)" lembrava-nos o velho oeste enquanto a acção se desenrola no oriente. Tarantino prova que sabe jogar com os símbolos e ícones, numa sinestesia cinematográfica que só está ao alcance dos realizadores mais dotados.

Tarantino não inventa nada de novo, serve-se de todos os clichés que existem nos filmes que homenageia e aplica-lhes uma roupagem moderna, simultaneamente prestando-lhes reverência. Não só isso mas a forma como cria as personagens e as cenas indicam o carinho de alguém que cresceu a ver filmes de série B e que agora quer partilhar essa experiência com o público - e para os conhecedores o filmes está repleto de referências a outros filmes, tornando esta obra num meta-filme.
Claro que depois há os inigualáveis diálogos à la Tarantino: mordazes, incisivos, irónicos, rápidos e auto-referenciais - sendo que que a fala de Bill "Isto sou eu no meu mais masoquista" é já um clássico. Esta mescla cria um filme que é sem dúvida um épico e acção. Aqui o que está em causa é entreter e piscar o olho aqueles que sabem que o material que aqui está presente não é novo, mas é bem tratado, logo todo o tipo de cinéfilos que adoram filmes de acção, em que as personagens não são de cartão, vão encontrar aqui algo que lhes agradará.

Em suma Kill Bill entretém se for visto em separado, mas a sua escala e grandeza épica é melhor compreendida e saboreada se visto na sua completude de uma só vez - aceita-se um intervalo mais longo, até porque a duração total atinge as quatro horas. No fim desta viagem com a vingança como mote, como sede que tem que ser satisfeita, compreendemos que o cinema é como a literatura, feito de hiperligações em que um filme remete para outro e como a leitura de objectos diferentes pode servir para os aproximar. Este filme pode ser visto de várias maneiras, mas a primeira de todas deve ser em nome da diversão e do prazer pelo cinema. Tudo o resto que possamos receber são guloseimas que nos deleitam. Como cinéfilo quase fanático, antes de realizador, Tarantino sabe como adoçar a nossa boca.

Veredicto: 5/5 (Sequências de anime inesperadas)

Realizador:
Quentin Tarantino
Elenco:
UmaThurman
Daryl Hannah
David Carradine
Vivica A. Fox
Michael Madsen
Gordon liu
Lucy Liu

Notas: O clássico "Pulp Fiction" e "Cães Danados" são filmes que recomendo da filmografia de Tarantino.

Os Guardiões - Watchmen

2009-03-23T17:49:00.000-07:00

A natureza humana sob uma máscara

Na América existem vigilantes mascarados que combatem o crime. Nas décadas de 30 e 40 esses vigilantes formam um grupo chamado os Minutemen. Este grupo atrai a atenção do público e é de certa forma bem sucedido no combate ao crime. Contudo vários membros não são capazes de combater os seus próprios demónios - sob a forma de alcool, drogas, ou outros comportamentos que levam a que outros ou eles próprios ponham termo às suas vidas. Décadas depois uma segunda geração de vigilantes forma um novo grupo designado os Watchmen. Este novo grupo desempenhará um papel fulcral em ganhar a guerra do Vietname, a favor dos E.U.A. Como consequência disso em 1985 Richard Nixon é ainda presidente e os E.U.A estão em plena guerra fria com a Rússia, mas o holocausto nuclear está mais perto que nunca.

Contudo o público começa a ficar descontente e revolta-se contra a existência de vigilantes mascarados que eles consideram agir impunemente em relação à lei e como consequência no início da década de 80 os vigilantes mascarados são proibidos.

A acção principal decorre em 1985 com a morte de um dos membros dos Watchmen, O Comediante ( Jeffrey Dean Morgan). Claro que ninguém sabe que ele era um dos vigilantes mascarados, ninguém até outro antigo membro do mesmo grupo decidir investigar aquele homicídio. Entra em cena Rorschach (Jackie Earle Haley) o único elemento dos Watchmen que ainda opera como um vigilante mascarado, ainda que às margens da lei. Ele vai tropeçar num plano que consiste na aniquilação de todos os antigos vigilantes mascarados, cujos objectivos colocam em perigo toda a humanidade.

Esta é a premissa do filme e sobre ela não será necessário revelar mais, contudo ressalvo desde já que o enredo é coeso e bastante credível naquilo que ainda se pode considerar um filme de super heróis. Contudo "Watchmen" traz muito mais que isso. A minha entrada anterior neste blog falava de como o "Batman" de Tim Burton, marcava uma nova era nos filmes de super-heróis. Em 2008 três filmes vieram elevar ainda mais este género cinematográfico, colocando-os num patamar de entretenimento, que ousa ser mais do que ligeiro, ousa desafiar o intelecto, ousa oferecer mais que acção estilizada e efeitos cgi - esses filmes são Hellboy 2, Iron Man e The Dark Knight. Em 2009 a fasquia eleva-se um pouco mais com este filme.

Acima de tudo importa estabelecer desde já o seguinte: estes não são heróis no sentido tradicional do termo. De todos eles apenas um tem super-poderes, o Dr. Manhatan ( Billy Crudup), sendo os restantes capazes de manifestar proezas a nível físico e intelectual, que estando a cima da média do homem comum, não estão no reino da total inverosimilhança. Aqui ninguém voa, dispara lazers dos olhos, teias dos pulsos, ou é imune a balas. São todos mortais. Não apenas isso. São pessoas. As máscaras não escondem as suas personalidades, acentuam-nas, para o melhor ou para o pior.

O elenco é vasto e reside nele a força do filme. Edward Blake/O Comediante, cuja morte abre o filme, é-nos apresentado como uma irredutível máquina de guerra; um -aparentemente - amoral homem que só vive para destruir. Contudo surpreende-nos com a sua capacidade de analisar a sociedade que nos rodeia e o verdadeiro espírito da humanidade. Chama-se O Comediante, contudo nada nele é engraçado, é antes trágico, cru e real. Dele saem as verdades que toda a gente vê mas não quer enfrentar.

Walter Kovacs/Rorschach é um vigilante cuja máscara assume diferentes padrões - em tempo real, como que a reflectir o seu estado de espírito- a preto e branco, como um teste de Rorschach - daí o seu nome. A sua visão do mundo é, tal como a sua máscara, a preto e branco; esta visão absolutista torna-o amoral no que toca à punição dos criminosos, algo que ele faz com brutalidade e talvez algum prazer. Não há para ele condicionantes nos comportamentos humanos. É um absolutista que acredita que não existem concessões: a verdade tem que ser sempre encontrada, não obstante as consequências.

Laurie Jupiter/Silk Spectre (Malin Akerman) é uma antiga vigilante e a namorada de Dr. Manhatan. Uma mulher dividida entre o amor por um homem e o amor por um super homem. Sente saudades dos seus dias de combate ao crime. Sente que perdeu o seu lugar.

Daniel Dreiberg/ Nite Owl II passa os seus dias a remniscir sobre o passado. Nutre uma paixão irrealizada por Laurie. Se Bruce Wayne fosse descrito como um aborrecido e envelhecido excêntrico, talvez fosse assim. Contudo existe uma candura e uma força dormente neste Daniel Dreiberg que é despertada graças à paixão.

Adrian Veidt/Ozymandias é um homem que construiu a sua fortuna á volta da sua imagem como vigilante, vendendo merchandizing da sua personagem Ozymandias. é considerado o homem mais inteligente do mundo. Está empenhado em livrar o mundo da sua dependência de combustíveis fósseis, que na sua opinião é causa não só de poluição, como também do estado de medo nuclear que o mundo vive. Esta personagem é das mais complexas e o seu papel não é tão linear como poderíamos julgar. Na verdade o papel que ele desempenha suscitará algum debate quanto à sua natureza.

Dr. Jon Osterman/ Dr. Manhatan um cientista que após um acidente se torna num ser que vive num espaço quântico. Além da sua tonalidade azul, Jon tornou-se capaz de ver o seu próprio passado e futuro, mudar a constituição atómica do que o rodeia, teleportar-se, alterar o seu tamanho, desintegrar seres humanos...em suma ganhou poderes quase divinos. Vivendo numa realidade diferente da dos humanos, Dr. Manhatan vai perdendo a ligação com a humanidade, pois a sua percepção do tempo e das relações humanas altera-se. Para ele o tempo é relativo, pois não envelhece, o peso da vida humana é também relativo para ele que se torna imortal. O seu distanciamento da humanidade é um tema chave do filme e nele pesa não só uma reflexão sobre o valor da vida humana como da sua singularidade. Num momento comovente ele aperceber-se-á que a via humana é importante devido ao milagre que é surgir do caos, algo tão belo, neste caso a sua amada Laurie.

Mostrar os super-heróis como seres humanos, falíveis e com os quais nos podemos identificar, é uma tarefa admirável porque aqui é bem executada. Mas também levanta a questão: se eles não tem poderes o que tem de "super" um bando de homens e mulheres mascarados que combatem o crime, mas que podem ser - e alguns são de facto - mais perigosos que aqueles que combatem? De facto no filme não é usada a palavra super-herói, mas sim vigilantes mascarados e não creio que seja á toa. Podemos mascarar-nos, mas isso não nos torna heróis, as máscaras são escudos, algumas vezes de impunidade. Se os Watchmen são heróis, em certos momentos bem perto de um modelo olimpiano, é porque eles tem que fazer o que muitas vezes tem que ser feito, mas ninguém o quer fazer; porque queremos sentir-nos seguros, mas não queremos saber o que é preciso ser feito para atingir essa segurança.

Este tipo de reflexão é permitida neste filme e quando a tentamos aplicar a outros filmes deste género, conseguimos ver a diferença entre entretenimento inconsequente e entretenimento que respeita a nossa inteligência. Sim este filme tem cenas de acção estilizadas, é violento, negro e pede que suspendamos a nossa crença - tal como em qualquer outro filme de super-heróis; existem momentos em que sabemos que estamos a ver um filme de acção, quando há combates impossíveis, naves e homens azuis que manipulam os átomos e destroem tanques sem qualquer esforço. Só que para cada cena destas em que os códigos do cinema fantástico estão presentes, recebemos uma ou duas em que o que vemos são pessoas que lutam por serem sãs num mundo cada vez mais insano.

Ainda há muito mais para falar. Há uma cidade chuvosa e cinzenta saída de um policial, os flashbacks que nos explicam a vida de cada personagem sem serem intromissas ou aborrecidas; uma banda sonora inspiradíssima que passa por Nate King Cole, Bob Dylan,Leonard Cohen e muitos outros, que nunca destoa e é capaz de nos absorver ainda mais; há um comentário subjacente ao medo do Apocalipse criado pelo homem e como ele parece cego para o evitar; existem claros ecos do 11 de Setembro particularmente numa das ultimas cenas; existe uma análise das relações entre pais e filhos e subsequentemente entre inteiras gerações que tem que herdar o peso das expectativas que lhes são colocadas.

Sim isto é entretenimento. Sim é um filme com gente mascarada a lutar, a morrer, a amar e a falhar. Tanto que ainda poderia dizer sobre este filme: como quebra as regras do género em que se insere, mas será que ao fazê-lo não está a criar um novo sub-género? O do comic book film realista? Não sei, ainda preciso de o rever e aprender ainda mais sobre cinema. Sei que antes de o ver tive um pressentimento, que verbalizei com um amigo meu: este filme ou irá ser um marco ou cairá no esquecimento, votado a tudo o que é medíocre. Para mim a resposta agora é inequívoca.

Veredicto: 5/5 (Relógios marcianos)

Realizador: Zack Snyder
Elenco:
Malin Akerman
Billy Crudup
Mathew Goode
Peter Spellos
Jackie Earle Haley
Jeffrey Dean Morgan
Patrick Wilson

Notas: Do mesmo realizador aconselho aquilo que considero ser um exercício em estilo, "300". Não se aproxima deste filme é mais um filme pipoqueiro cuja força maior é a estonteante apresentação visual.

Batman

2009-03-16T17:51:00.000-07:00

Ser herói é solitário

Bruce Wayne (Michael Keaton) é um homem com uma vida dupla. De dia é o herdeiro de uma enorme fortuna e Presidente da Wayne Enterprises. Wayne é um filantropo com reputação de playboy e que não gosta de dar nas vistas para além das suas vistosas festas e outras acções de caridade. De noite assume a identidade de um vigilante mascarado chamado Batman, que causa medo no coração do submundo criminal de Gotham City. Como Batman, a sua personalidade é sombria e os criminosos não tem como parar este justiceiro marginal.

Contudo este anti-herói não terá que lidar com um tipo de criminoso bem mais nefasto que os habituais fora da lei. Um gangster chamado Jack Napier (Jack Nicholson), braço direito do senhor do crime Grissom (Jack Palance) é traído pelo seu chefe e num confronto com Batman fica horrivelmente desfigurado: cabelo verde, cara branca e um permanente sorriso de orelha a orelha - literalmente - Jack torna-se no Joker, um ser ainda mais sádico e desvairado que antes.

Entre estes dois homens mascarados está Vicky Vale (Kim Bassinger), uma repórter enviada para envestigar o fenómeno do Batman e que cedo cai nos braços de Bruce Wayne e no gosto do Joker. Está será uma luta não só pelo controlo da cidade, como também pelos afectos de uma mulher.

A galeria de personagens ainda é considerável, mas obviamente que o foco da atenção será o duelo entre herói e vilão. De facto o vilão é na verdade a personagem que parece merecer as cenas mais delirantes, cómicas e assustadoras - esta tendência para o Joker roubar a luz da ribalta repete-se no "Cavaleiro das Trevas". O Joker que Nicholson criou é uma personagem espampanante, grosseira, com um humor macabro, uma gargalhada intimidante e uma presença imponente. O Joker não é bonito, mas a sua pose pode ser sedutora; é psicótico, mas perspicaz e inteligente. A sua presença implica que algo de perigoso, ruidoso e polvilhado de humor macabro vai acontecer e por isso estamos sempre em antecipação quando ele está em cena.

Batman por seu lado é soturno e monossilábico. Atormentado pela morte dos seus pais à sua frente, quando ainda era criança, Batman/Wayne não retira prazer do que faz: a sua demanda é por justiça, não fama nem glória. Os criminosos temem-no, mas a opinião pública também faz dele um criminoso. A polícia é na sua maioria corrupta, excepção maior será o comissário Gordon, por isso este vigilante também não granjeia a simpatia das forças policiais. Batman é por isso um anti-herói, opera às margens da lei, para a fazer cumprir. No entanto, o seu método é de captura e não de destruição; o Batman não mata criminosos, mas captura-os pois ele não é juiz, nem carrasco. Este código de ética impede-o de se tornar como aqueles que caça.

Contudo muitas vezes parece que o Batman não nos cativa tanto como o Joker, mas isso não significa que a personagem não seja caracterizada de forma competente pelo actor Michael Keaton. Na verdade creio que isto é prova da sua qualidade, porque Batman e Joker são opostos na sua dimensão física: um é calado e soturno, outro é maniacamente ruidoso e espampanante; um intimida com o olhar e outro com o seu sorriso desfigurado; Batman é quase monocromático - uniforme preto, com um símbolo amarelo no peito - e o Joker é uma palete de roxo, branco, verde e vermelho.

De resto são mais parecidos do que poderíamos pensar: dois párias da sociedade, incapazes de pertencer e atraídos um para o outro para se destruírem. vença quem vencer nenhum será aclamado herói, o vencedor será sempre temido por uma sociedade que os criou mas não os aceita. O Joker é um destruidor, causador de caos e anarquia que faz tudo com um sorriso nos lábios; Batman é um ser só empenhado em fazer justiça, que vive uma vida dupla, mas que ambas as suas facetas são viradas para o combate ao crime.

As restantes personagens são bem mais planas, principalmente Vicky Vale que não é mais que um interesse amoroso e a dama em perigo. A sua presença também serve para validar a constatação que Bruce Wayne não é muito mais que um sonho de normalidade do Batman: inepto a criar relações, a sua máscara de bilionário inconsequente é ténue.

O filme tem um tom negro. A metrópole de Gotham city não se parece com nenhuma cidade que tenhamos visto antes: repleta de edifícios imponentes com gárgulas, ruas com muito fumo, quase uma fusão da américa dos anos 50, com a estética dos comic books dos anos 80 e o imaginário tão próprio de Tim Burton. Os vilões são uma amalgama dos gangsters de um filme sobre Al Capone e rufias do boom inicial do rap. Burton cria uma cidade, um universo muito próprio que é uma homenagem às banda-desenhadas do Cavaleiro das Trevas, mas sem perder o realismo próprio de um filme em imagem real.

Este é um filme que abriu caminho para o género dos filmes de super-heróis. Uma visão pessoal do realizador, sobre um dos (anti-)heróis mais famosos da banda desenhada. Não é um filme alegre, consegue ser até bastante negro, mas é visualmente arrebatador, emocionante e espectacular. Um Jack Nicholson inspirado é também uma boa razão para ver esta aventura. Os fãs de Burton também gostarão, pois o ambiente e a estética são claramente "Burtonianos".

Veredicto: 4/5 (Dentaduras mecânicas)

Realizador:
Tim Burton
Elenco:
Jack Nicholson
Michael Keaton
Kim Bassinger
Robert Wuhl

Notas: A sequela "Batman Regressa" é de visonamento obrigatório para todos os que gostaram deste filme.

O estranho mundo de Jack - The nightmare before christmas

2009-03-14T15:24:00.000-07:00

Quando o Halloween tentou roubar o Natal

Halloween Town. Um mundo de fantasia repleta de monstros, mas são monstros nada assustadores, bizarros é certo, mas inofensivos; um mundo onde os cidadãos normais são tudo menos normais: lobisomens, diabretes, vampiros , bruxas e outras aparições sobrenaturais povoam as ruas serpentinas e algo góticas desta cidade tão peculiar. E no entanto nada nos assusta; somos "convidados" a conhecer a cidade e os seus habitantes, cujas personalidades são tão peculiares como a sua aparência.

Todos anos ocorre uma assombrosa celebração do dia das bruxas, liderada pelo Rei Abóbora, Jack Skellington (Chris Sarandon). No entanto Jack começa a cansar-se da rotina em que se tornou a celebração anual do dia das bruxas, ele sente que falta chama e novidade. Um dia Jack encontra acidentalmente um portal que o leva para a cidade do Natal. Encantado com o espírito e celebração do Natal, o Rei Abóbora decide que vai apoderar-se do Natal.

Esta é a premissa para uma aventura tão estranha como encantadora. A existência de uma cidade da qual dia das bruxas emerge e cujos habitantes são monstros é genialmente animada pela fabulosa técnica de stop motion - que voltaríamos a ver na obra de Burton em " A noiva cadáver". A cidade revela um aspecto gótico onde abóboras de sorrisos traiçoeiros, árvores contorcidas, gárgulas de pedra e outros adereços macabros criam uma atmosfera tipicamente de uma obra de Tim Burton: suficientemente negra para ser sobrenatural, mas não o suficiente para ser intimidadora. A cidade do Natal e o mundo humano estão também muito bem conseguidos e a diferença de ambiente, estética e a palete de cores, estabelece bem a antítese entre os diferentes mundos, conferindo a cada uma, um ar único e cativante. Contudo a cidade do Halloween destaca-se claramente e é natural já que é o pano de fundo principal de toda a acção.

As personagens são um hino á criatividade artística, à sensibilidade e até homenagem a monstros clássicos do cinema e de histórias de terror: desde as bruxas, cientistas loucos, passando pelo bicho papão, o monstro debaixo da cama, e numerosas outras, não esquecendo o adorável cão fantasmagórico de Jack, Zero ; são todos soberbamente animados e suportados por um competentíssimo elenco vocal. E claro não nos podemos esquecer de Jack, o esquelético rei de Halloween town: de mebros finos e esqueléticos, cadavericamente pálido, mas terrivelmente expressivo; os seus momentos de dança e cantoria são dos pontos mais altos de todo o filme, pois Jack Skellington é uma personagem muito carismática e com este filme tornou-se um ícone do cinema - e também um ícone de merchandising, nas suas mais variadas formas.

Este é um filme de animação intergeracional, aliás como são os grandes clássicos da Disney, mas "O estranho mundo de Jack" possui uma estética e uma premissa que o torna único, um patinho feio - e aqui este comentário funciona como um elogio - cheio de personalidade e magia. Os números musicais são elegantes e cativantes, a acção é povoada de humor e algum suspense próprio de um filme que não se leva demasiado a sério e quer acima de tudo entreter. E ainda há uma história de amor entre uma boneca de trapos - talvez uma reinvenção da noiva de Frankenstein, mas bem mais encantadora - chamada Sally, que rouba o coração (?) do rei Jack.

No fim Jack e Sally estão juntos no topo de uma colina encaracolada e Halloween town está em festa. Voltaremos sempre para os visitar.

Veredicto: 5/5 ( Beijos sob o luar)

Realizador:
Henry Selick
Elenco:
Danny Elfman
Chris Sarandon
Catherine O'Hara
William Hickey
Glen Shadix
Ken Page

Notas: Do mesmo realizador estreou recentemente "Coraline", outro filme sobre mundos encantados alternativos. O estilo é remniscente de Burton, apesar da obra conseguir alguma autonomia estética. No entanto deve agradar, talvez não na mesma medida, a quem gosto deste "Pesadelo".

Paprika

2009-03-04T16:00:00.000-08:00

A vida polvilhada com sonhos

Num futuro próximo uma invenção chamada "DC mini" permite ao seu usuário ver e entrar nos sonhos das outras pessoas. Num departamento de psicoterapia, este método é testado para ajudar paciente com problemas psiquiátricos. A chefiar este departamento está a Dra. Atsuko chiba (Megumi Hayashibara) que não se limita a ter um papel de mera observadora: sob o disfarce de um alter ego chamado Paprika, Atsuko entra nos sonhos dos seus pacientes e ajuda-os a compreender e a superar traumas e medos que residem no seu subconsciente. Contudo o governo ainda não aprovou o uso do "DC mini" portanto a legalidade das acções de Atsuko / Paprika é questionável.

Cedo a situação complica-se quando três dispositivos "DC mini" são roubados. Numa reunião para se debater o que fazer, o chefe do principal do instituto de psicoterapia exibe comportamentos erráticos, como se sonhasse acordado: a sua psique é invadida por o sonho de outra pessoa. Nesse sonho aparece um enorme desfile recheado de animais que tocam instrumentos, objectos inanimados que ganham vida e vários icones culturais - este desfile é um elemento recorrente do filme e o seu significado está aberto a várias interpretações.

Começa então a investigação para descobrir quem anda a usar os "DC mini" para invadir os subsconscientes das pessoas criando ilusões e devaneios que as colocam em risco, pois a linha entre real e onírico esbate-se facilmente. O jogo de gato e rato que se segue seria enfadonho e meramente funcional se não fosse pela forma como é executado: fusão do real e do mundo dos sonhos e do inconsciente dá lugar a uma imagética misteriosa, intrigante que deixa as personagens e o espectador na dúvida sobre no que acreditar. Contudo este exercício não é cansativo ou forçado: o resultado é encantador e hipnótico porque a imagética do insconsciente que se funde com o real torna os cenários, que de outra forma seriam comuns, em locais que queremos explorar.

Na verdade a maior valência deste filme é a sua componente visual, os elementos oníricos e a sua apresentação moldam a realidade criando uma aura surreal, que não estranhamos mas aceitamos, porque também os nossos sonhos são assim, um cruzamento do real com o surreal.

O ùltimo acto do filme é particularmente belo, uma fusão de reinos oníricos, e uma imagética transcendente de beleza desenhada - talvez esteja a ser demasiado entusiasta, mas também é natural dado o tema do filme e como me identifico com ele - cheia de simbolismo. Um acto final digno de um filme que fala dos nossos sonhos e desejos que nem sempre queremos confessar porque achamos que o cinzentismo do mundo não tem lugar para eles. Contudo Paprika prova que há sempre lugar para ideias coloridas que enalteçam os grandes sentimentos e o gosto pela vida.

Não vejam pela história, mas sim por toda a estética, imagética que nos leva para um lugar especial: o lugar onde os sonhos nascem, sem abdicar de quererem ser reais.

Veredicto: 4/5 ( Bébés gigantes)

Realizador:
Satoshi Kon
Elenco:
Megumi Hayashibara
Akio Otsuka
Koichi Yamadera
Toro Foruya

Notas: Do mesmo realizador recomendo "Perfect Blue" e "Millennium Actress" dois exemplos de como a animação pode ser o veículo para filmes de grande reflexão que rivalizam com qualquer película em imagem real.

Jack Burton nas garras do Mandarim - Big trouble in Little china

2009-02-26T15:37:00.000-08:00

East meets West, com resultados inesperados

O camionista Jack Burton (Kurt Russel) e o seu amigo Wang (Dennis Dun) vão até ao aeroporto para receber amigos que vêm de visita da China. Mas, e tem que haver sempre um "mas", a namorada de olhos verdes de Wang é raptada no aeroporto por um gang e cabe a Jack e a Wang resgatá-la. A perseguição leva-os até ao misterioso e místico submundo de chinatown. Aí irão deparar-se com um ancião feiticeiro de nome Lo Pan (James Hong) que necessita de sacrificar uma rapariga de olhos verdes para poder quebrar uma maldição que lhe colocaram - os vilões tem sempre aquilo que merecem, principalemente quando são feiticeiros com mais de dois mil anos.

Jack irá deparar-se com gangs proficientes em artes marciais, seres sobre-humanos que controlam os elementos, pântanos místicos mesmo sob Chinatown e muitos outros obstáculos sobrenaturais e místicos, não esquecendo o supracitado feiticeiro malévolo. Para o ajudar terá não só Wang, mas Gracy Law ( Kim Cattrall) uma advogada, Egg Shen ( Victor Wong) um feiticeiro condutor de um autocarro turístico e também a colaboração do gang Chang Sing.

Se até agora tudo isto soa surreal e pouco coerente, deixo desde já o aviso que a nível de narrativa as coisas não vão melhorar, mas vão ficar mais divertidas. John Carpenter estabeleceu-se como um mestre do horror, mas neste filme apresenta-nos uma aventura com tons cómicos que é uma mescla de vários tipos de cinema: desde os filmes de artes marciais orientais, passando pelo género do fantástico, com cenas dignas de um típico filme de acção Hollywoodesco e ainda algum humor situacional. Carpenter brinca com os estereótipos inerentes a todos este géneros: cenas de acção estilizadas, tiroteios dsenfreados em que os vilões nunca acertam no herói - o que põe em causa a credibilidade de uma organização maléfica com mão de obra tão pouco qualificada -, a já habitual troca de galhardetes entre herói e vilão, momentos de grande emoção alicerçados por efeitos especiais grandiosos, havendo sempre espaço para o normal e esperado beijo entre o herói e o seu interesse amoros - que parece sempre antecer ou preceder imediatamente um grande embate.

As personagens não tem grande profundidade, na verdade caminham a ténue linha entre a caricatura e a planitude de uma mesa de mármore, mas aqui nem considero isso uma falha. Este filme é uma homenagem e até uma celebração de todos os géneros e estereótipos cinematográficos nele presentes. Um filme de entretenimento que não rouba ideias para as menorizar, mas antes para lhe prestar a devida vassalagem, ainda que numa roupagem cómica e cartoonesca. Depois temos Jack Burton o herói despistado, que julga ser capaz de todas as proezas, com uma postura de bravo, mas que vai sobrevivendo, mais devido à sorte e intervenção oportuna de seus aliados, do que devido a mérito próprio. Esta caricatura de uma espécie de John Wayne moderno e trapalhão é uma das forças maiores do filme.

Visualmente Carpenter criou uma Chinatown subterrãnea repleta de túneis sombrios e nevoados, templos orientais ocultos, salas emperiais que combinam néons vivos e monumentos orientais antigos, criando um mundo paralelo singular, mas estranhamente imersivo, ainda que nem sempre congruente e algo anacronístico de acordo com os estilos mais modernos - por outro lado é um visual muito típico dos anos oitenta e os fãs dessa época e dos filmes tão intrinsecamente "eighties" vão certamente gostar.

Sem grandes rodeios, este filme é para ver com o espírito de quem quer se entreter com um cocktail visual repleto de cenas de acção comédia e uma aura de espalhafato e humor auto-referencial. Não é um filme que se leva a sério e tendo em conta a premissa e o seu desenrolar essa é uma das suas maiores forças.

Veredicto: 3.5 (Tempestades)

Realizador:
John Carpenter
Elenco:
Kurt Russel
Kim Cattrall
Victor Wong
Dennis Dun
James Hong

Notas: Carpenter é por excelência um realizador de filmes de terror. Aconselho o seminal "Halloween", "Veio do espaço" ou num estilo mais dramático e fantástico "Starman".

Quem quer ser bilionário? - Slumdog Millionaire

2009-02-22T14:38:00.000-08:00

From India with love...and song, and dance, and laughter, and....

Hoje terá lugar a cerimónia dos Óscares, considerada o expoente máximo dos eventos que premeiam os intervenientes do mundo do cinema - apesar do evento estar a perder espectadores e talvez a precisar de uma remodelação, continua a ter um grande relevo e visibilidade. Hoje vou fazer algo que não fazia parte dos meus planos para este blogue. Hoje vou falar de um filme que ainda só vi uma vez; um filme que ainda está nos cinemas; um filme nomeado - um dos que detêm mais nomeações - para a edição de 2009 dos Óscares da academia. Todos os filmes que destaquei neste blogue já os vi inúmeras vezes e fazem parte da minha dvdteca. Mas este não. Este é um filme que irei revisitar, mas no momento em que escrevo, passaram 48 horas desde a única vez que o vi.

A razão pela qual quebro uma regra não escrita deste blogue é simples: este "Quem quer ser bilionário?" entrou directamente para a minha lista de favoritos. Um filme vibrante e arrebatador que nos agarra a atenção desde o primeiro minuto e nos suga numa montanha-russa de emoções que só termina quando o ecrã do cinema fica escuro e as luzes da sala se acendem.

Jamal Malik (Dev Patel) é um concorrente na versão indiana do programa "Quem quer ser milionário?". No início do filme uma frase revela-nos que ele está a uma pergunta de obter o prémio máximo. E o filme confronta-nos com uma pergunta :
- Como é que ele o fez?
A: Fez batota;
B: Teve sorte;
C: É um génio;
D: Está destinado.
No fim o próprio filme fornece uma resposta, mas até lá somos espectadores do percurso de Jamal, desde criança pobre nos bairros degradados de Dharavi até aos seus 20 anos, sentado numa cadeira de um concurso televisivo, com a possibilidade de se tornar rico.

A história subverte o tempo narrativo em alguns momentos, apresentando-nos momentos de Jamal em criança e como vários acontecimentos na sua vida providenciaram as respostas para as perguntas que vão surgindo no programa. Somos turistas numa índia de contrastes: um país de pobreza extrema, de riqueza proliferante, de intolerância religiosa, de monumentos e paisagens majestosas, de crueldade humana e de profundo sentimento humano. O filme consegue ser colorido, vivaz, com música que nos eleva; consegue ser soturno, apresentando uma visão negra do espírito humano e da sua corrupção.

Acima de tudo este é uma fábula moderna sobre um rapaz que ousa sobreviver e depois se apaixona. A partir do momento que se apaixona o seu móbil é reunir-se com o seu amor e concretizá-lo - ou seja torna-se um caso de boy meets girl, boy looses girl, boy meets girl again...only to loose her again. Soa enfadonho? Então vejam e descubram como o realizador Danny Boyle consegue construir uma história de amor cheia de obstáculos sem a tornar enfadonha ou risível. Descubram como capta imagens de grande beleza, nos faz preocupar com as personagens, nos apresenta momentos de ternura, de tensão, de tristeza e de emoção. E tudo de forma tão articulada que não conseguimos deixar de querer antecipar o que se vai passar de seguida ou qual o destino das personagens.

O filme também aborda a questão do destino e sua importância, contudo para aqueles que não acreditam em tais coisas, é possível extrair uma leitura própria que não desvirtua o filme aos olhos daqueles que acreditam no destino e aos olhos dos que acreditam na sorte - será a mesma coisa?

Outra característica do filme é ser capaz de abordar várias componentes, e temas, e sendo verdade que não é capaz de explorar nenhum a fundo, consegue gerar alguma reflexão sobre eles: o comentário social sobre a Índia está presente nas assimetrias a nível económico, os conflictos religiosos, a corrupção; o país é representado como uma terra onde também é possível um zé-niguém ascender aos estrelato - numa variação do tema da terra prometida que eram (são?) os E.U.A; a história de dois irmãos e os elos que os unem e as diferenças que os separam - apesar de nenhum ser intrinsecamente mau, Salim deixa-se sugar para uma vida de crime, enquanto Jamal não; a história de amor, apesar de ser vivida quase exclusivamente do ponto de vista de Jamal é capaz de nos prender, mas o papel de Latika pode ser questionado - seria ela algo mais que apenas um objecto de desejo, ou estamos perante um caso de um amor puro e idealizado?

Diria que este é um pequeno filme, com um espírito de colosso: uma história de amor embrulhada em várias camadas de emoção, suspense, ternura, humor. sombra e cor. Uma ode à vida e a todas as possibilidades de felicidade. Se vai ganhar muitos Óscares, não sei, mas em breve descobrirei. No entanto não precisou de ter qualquer troféu para me arrebatar da forma que o fez.
Ir ao cinema, sair com uma atitude positiva e com a sensação de ter presenciado algo especial: foi o que este filme me deu. O cinema também é isto.

Veredicto: 4/5 (Notas de 100 dólares)

Realizador: Danny Boyle
Elenco:
Dev Patel
Freida Pinto
Anil Kapoor
Irrfan Khan
Ayush Mahesh Khedekar
Tanay Chheda
Saurabh Shukla
Mahesh Manjrekar

Notas: de Danny Boyle e também com dinheiro como tema que não é central, mas aparenta ser, recomendo "Millions". Boyle também teve uma passagem pelo género de terror com o muito agradável "28 dias depois". Para quem nunca viu, o clássico de culto "Trainspotting" é também um filme a ver.

Hellboy II: Exército dourado - Hellboy II: The golden army

2009-02-16T18:35:00.000-08:00

Um demónio com coração mole

Há muito tempo travou-se uma batalha entre humanos e criaturas mágicas. Como em qualquer batalha, as perdas eram enormes para ambos os lados. Um dia um goblin oferece a Rei Balor (Roy Dotrice), soberano da terra dos elfos, a arma ideal para terminar a guerra: um exército composto de 70x70 guerreiros de ouro, incansável e indestrutível. Não vendo outra forma de terminar a guerra, o rei aceita a oferta e o exército é construído. O exército dourado era incansável e implacável: a sua vitória foi tão cruel como esmagadora. Vendo a carnificina o Rei Balor decidiu estabelecer uma trégua: os humanos ficariam com as suas cidades e as criaturas mágicas ficariam com as florestas. O filho do rei, o príncipe Nuada (Luke Goss) discordava da trégua e partiu em exílio. A coroa que controlava o exercito foi dividia em três para que o exército nunca mais fosse invocado, ficando duas peças com os elfos e uma foi dada aos humanos.

Assim começa Hellboy II, com o protagonista, ainda um demónio petiz a ouvir esta história para adormecer, contada pelo seu pai adoptivo. A forma como o filme começa marca de imediato o tom desta história de mundos antigos e misteriosos que lutam por perdurar numa altura mem que o domínio do homem é intrusivo, assimilador e destrutivo. A aura de conto de fadas, com tons de fantástico sombrio, está imprimida em todo o filme. Ver Hellboy (Ron Perlman) quando era pequeno é uma óptima forma não só de nos afeiçoar-mos à personagem - ao seu lado mais humano portanto - como de nos apercebermos do tom de história que mencionei: tal como o protagonista no início, também o realizador nos está a contar uma história com criaturas mágicas e eventos fantásticos.

Após a história ser contada e rolarem os créditos iniciais somos transportados para o presente. Aqui o Príncipe Nuada regressa com a intenção de quebrar o pacto estabelecido pelo seu pai. Para o fazer tenciona recuperar os três fragmentos da coroa e controlar o exército dourado.
Para lhe fazer frente estará Hellboy obviamente,mas não sem a ajuda de: Liz (Selma Blair), a sua namorada, que tem poderes piroquinécticos - ela dá um novo significado à expressão ferver em pouca água; Abe Sapien (Doug Jones), que é um ictio-sapien - ou homem-peixe que soa menos pomposo - de enorme intelecto; e Johann Krauss (Seth Macfarlane), um psíquico que vive sob a forma de ectoplasma - a substância de que são feitos os fantasmas - dentro de o que parece ser um fato de mergulhado arcaico.
Este conjunto de seres estranhos são o obstáculo no caminho do príncipe e da sua demanda genocida, afinal de contas ele quer destruir os humanos completamente.

Esta é a premissa do filme , algo simples de facto. Contudo este não é um filme que quer ser complexo ou com um enredo intrincado. Guillermo del Toro quis criar um conto fantástico, como aqueles que ouvíamos quando crianças; aí as histórias também eram sobre o bem e o mal, monstros e princesas e batalhas épicas. Claro que o imaginário do realizador e o universo de Mike Mignola - o criador da bd original na qual Hellboy é baseado - criam um ambiente mais adulto, mas no fundo a ideia é a mesma: criar um mundo rico e credível. Nesse aspecto a missão é cumprida de forma extraordinária pois a atenção posta nos detalhes é incrível, resultando num todo coerente e imersivo: as criaturas são detalhadas, originais e únicas, os ambientes luxuosos, vibrantes e vivos.

O filme desperta um dilema no nosso herói, que apesar de não ser muito explorado creio que acrescenta um pouco de profundidade ao enredo. Hellboy é um demónio, mas luta pelos humanos e como tal deseja ser aceite por eles. Contudo isso não acontece e apesar de ele derrotar criaturas mágicas, tal como ele, para defender os humanos, esta ingratidão e até mesmo agressividade com que é recebido deixa-o a sentir-se um pária, um ser que habita um nexo: não quer voltar às suas raízes demoníacas, mas não é aceite no mundo em que vive. O filme deixa entrever que as consequências desta situação serão resolvidas numa próxima sequela. Dada qualidade deste segundo filme, creio que isso cria uma antecipação positiva que não diminui a sua qualidade nem o deixa num enclave, como tantas vezes acontece numa segunda parte de uma trilogia, em que o segundo filme parece começar e acabar a meio. Nesse aspecto Hellboy II consegue ser um filme autónomo do primeiro, não sendo preciso ver o anterior para compreender o seu enredo.

O filme tem cenas de grande beleza e detalhe, mas uma certamente se destaca e é a prova definitiva do detalhe, do rigor e da fantástica mente criativa do seu realizador. Falo portanto do mercado troll, local escondido dos olhares humanos e localizado no coração de Manhattan. O mercado troll é um local de comércio frequentado por criaturas mágicas de todas as formas e feitios: seres enormes com cabeças cilíndricas, seres híbridos, meio homem meio peixe, que vendem peixe fresco - ironia talvez -, pequenas criaturas bi-céfalas que vagueiam por entre a multidão, artistas de rua que tocam bizarros instrumentos....enfim um mundo de detalhe que é impossível de capturar totalmente da primeira que o vemos. O detalhe é tanto que não é possível senão ceder à fantasia que se desenrola perante os nossos olhos. Mesmo de sobreaviso podem tentar apanhar o maior numero possível de detalhes, mas num segundo visionamente certamente encontrarão muita coisa que não viram da primeira vez. Simplesmente assombroso.

O tom do filme é também deliciosamente cómico, mas de uma forma suave, imiscuindo-se perfeitamente no mundo de fantasia recriado. Isto deve-se primeiramente à personagem de Hellboy que tem consegue alternar entre o registo do herói sério e do herói com a piada certa num momento tenso. Um dos momentos mais cómicos e ternos é o dueto musical entre Hellboy e Abe Sapien, causado por sentimentos amorosos.

No fim Hellboy consegue ser tudo: conto de fadas sombrio, filme de super-herói e história de amor - em dose dupla. É também um triunfo visual estrondoso, de um realizador, que tal como Tim Burton, por exemplo, se destaca como um verdadeiro autor, capaz de conferir o seu cunho próprio: encantado, mágico e sombrio.

Veredicto: 4/5 (Fadas dos dentes)

Realizador: Guillermo del Toro
Elenco:
Ron Perlman
Selma Blair
Doug Jones
Jeffrey Tambor
Luke Goss
Anna Walton
John Hurt
Seth Macfarlane
Roy Dotrice

Notas: de Del Tor recomendo o primeiro Hellboy, o Labirinto do Fauno e Blade II, para confirmarem a visão tão própria deste realizador de filmes, amiúde ligados ao fantástico.

Eduardo Mãos de Tesoura - Edward Scissorhands

2009-02-10T17:11:00.000-08:00

Um escultor de formas e emoções

Lá fora está a nevar, num cenário retirado de um catálogo de casas nos subúrbios; dentro de uma casa igual a tantas outras que a rodeiam, uma avó conta uma história à sua neta que está na cama. A partir desse momento somos levados para outro local, como costumava acontecer quando éramos crianças, mas desta vez fazemos essa viagem como adultos. Este é um conto de fadas sem fadas, uma história para os adultos que ainda acham que é possível sonhar, mesmo que o mundo real tente negar esse privilégio.

A história que vamos ver e ouvir - como se fossemos nós deitados na cama a ouvir a nossa avó contar um conto - é sobre um homem chamado Edward, que foi criado - literalmente - e educado por um cientista. Contudo esse cientista morreu antes de lhe construir umas mãos e Edward (Johnny Depp) fica sozinho numa mansão que representa a totalidade do seu mundo e em vez de mãos humanas possui afiadas tesouras.

Um dia Edward será afastado do seu pequeno mundo, por uma vendedora de produtos de beleza que o levará para uma realidade diferente: um mundo de ruas alinhadas, com casas simétricas idênticas e ajardinadas. Aí Edward vai interagir com pessoas variadas e descobrir que o mundo pode ser um local bem mais complicado do que alguma vez poderia imaginar. A família que o acolhe será o seu novo núcleo familiar e durante algum tempo o nosso silencioso protagonista irá redescobrir as maravilhas do contacto humano.

Contudo Edward é um ser bondoso, incapaz de malícia e um conjunto de enganos, e as actividades de pessoas invejosas e más vão tornar a sua vida complicada. Não é necessário explicar muito mais do enredo, não porque há grandes reviravoltas ou segredos, mas porque este filme assenta o seu encanto no mundo construído e na personagem principal.

Esta é uma história de amor, com contornos de contos de fada e umas pinceladas góticas. O bairro onde a acção decorre é perfeito de uma forma enfadonha e deprimente, sendo a mansão gótica e imponente onde Edward mora, tão deslocada como um hipopótamo numa feira de pinguins - mas não tão engraçada. Este filme mostra o que acontece quando o imaginário negro, mas humorado de Burton foge para a pacata realidade.

Com certeza que repararam, que não descrevi Edward fisicamente, para além das suas mãos, porque a sua imagem está bem enraizada na cultura popular. Para aqueles que não sabem quem ou como ele é, descobri-lo será certamente uma experiência única. Johnny Depp construiu uma personagem que diz muito não por palavras mas por gesto. Além disso nunca um olhar triste foi tão versátil e expressivo como aqui.

Depois existe Kim (Winona Ryder) a filha do casal que acolhe Edward. Uma beleza loira e esplendorosa apenas ultrapassada pela beleza que habita no coração de Edward. A história de amor que surge entre ambos é clássica no seu molde e única na sua aparência; possui um encanto juvenil que os adultos parecem esquecer, mas retem um travo agri-doce que só com a experiência aprendemos a identificar.

Sobre que é este filme? Talvez sobre os nossos sonhos perdidos. Talvez sobre o que é sermos diferentes e incapazes de nos adaptarmos. Ou talvez sirva para nos lembrar do que a natureza humana é capaz. E falando de natureza humana, será Edward humano? Não foi ele construido? Depois de ver este filme nem sequer pensei duas vezes sobre isto. Não é preciso ser monstro para destruir nem humano para amar. Um coração é sempre um coração e é a natureza do que lá reside que nos define.

Para os apreciadores de Tim Burton e não só, um conto de fadas sem fadas, mas com muita magia.

Veredicto: 5/5 (Flocos de neve)

Realizador: Tim Burton
Elenco:
Johnny Depp
Winona Ryder
Vincent Price
Dianne Wiest
Anthony Michael Hall
Kathy Baker

Notas: Para ver Depp encarnar personagens únicas e excentricas recomendo "Delírio em Las Vegas" e "Charlie e a Fábrica de chocolate"

O último Samurai - the last Samurai

2009-02-06T16:12:00.000-08:00

Dos homens e da honra

Nathan Algren (Tom cruise), é um desencantado e alcoólico ex-capitão do exército Norte-Americano que viaja até Tokio para ajudar a modernizar e treinar o novo exército Imperial Japonês. Contudo o "exército" que Algren tem nas suas mãos não é mais que um grupo de camponeses e pedintes, que ele nem tem oportunidade de formar em condições pois cedo são despachados para defender uma linha de caminhos de ferro de um grupo de samurais rebeldes.

Os soldados de Algren são derrotados e forçados a retirar. Algren acaba por ser capturado e poupado a uma morte certa, graças a uma coincidência onírica: o líder dos samurais, Katsumoto (Ken Watanabe) tivera um sonho sobre um tigre branco que o ajudara numa batalha, e Nathan usou uma lança com uma bandeira que continha a imagem de um tigre branco. Katsumoto decide levar Nathan consigo para o acampamento e aprender mais sobre o seu adversário.

O Japão representado nesta época, surge como uma nação que se quer afirmar como moderna e poderosa. A revolução industrial começa a impor-se com a força do vapor, dos caminhos de ferro e as armas de fogo. Num mundo a modernizar-se os samurais e o seu código de honra e de vida parecem já não ter lugar.

No seu cárcere Nathan começará uma viagem de transformação, á medida que vai conhecendo melhor uma cultura tão particular e o estilo de vida dos lendários guerreiros samurais: os ultimos baluartes de um modo de pensar e estar assente em códigos de honra, lealdade e sacríficio. Nathan terá não só que se adaptar a uma realidade que não conhece, como também vencer os seus demónios pessoais.

O filme tem um tom calmo, quase zen , algo que quem estiver habituado a ver os blockbusters em que Cruise participa, poderá achar estranho. Contudo este é um épico com muita alma e quando vemos Nathan a treinar a arte de lutar com uma katana, rodeado por imensas colinas sentimos que há algo nestas imagens de transcendente. "O ultimo samurai" tem cenas de batalha elaboradas e grandiosas, contudo os melhores momentos do filme são os duelos ideológicos entre Katsumoto e Nathan. Aqui vemos duas grandes mentes debater questões filosóficas sobre a vida e a morte, a guerra e a paz. Pode soar enfadonho, mas não é graças à presença que ambos os actores trazem para a tela, deixando-nos presos a cada palavra que proferem. Vemos o desenvolver de um laço de admiração entre dois homens cujas culturas são diferentes, mas cujos valores são os mesmos.

Outro aspecto que acho que vale a pena realçar é a relação entre Nathan e a mulher de um samurai morto pelo protagonista. Ela, Taka (Koyuki Kato), é forçada a acolher em sua casa o homem que a enviuvou, um estranho que odeia. Contudo com o passar do tempo vemos no seu olhar a luta interior desta mulher que deseja e odeia o mesmo homem. Não existe a típica cena de amor entre eles, ou melhor existe mas está invertida: a cena mais romântica e de certa forma erótica ocorre quando Taka ajuda Nathan a preparar-se para a batalha; a forma como ela o veste, manusei-a os tecidos, tocando o corpo dele é um nada erótica e terna, culminando num beijo antes da partida do guerreiro.

No fim há um confronto entre samurais e o novo moderno exército Japonês. Sabemos que o que está em confronto é intemporal: ideologias diferentes, códigos diferentes, visões díspares do mundo. A única falha do filme reside realmente no seu final. Não vou revelar o fim obviamente, mas vou dizer o seguinte: uma das grandes mensagens do filme é veiculada por Katsumoto quando afirma que o seu bushido - estilo de vida do samurai, regido pela espada - é uma forma de ver o mundo, uma forma de viver e isso implica também uma forma de encarar a morte. Aprendemos que um guerreiro Samurai não teme a morte e que uma boa morte seria morrer em batalha. Contudo Katsumoto não é nenhum guerreiro sanguinário com um desejo de morte; é antes um espírito nobre em paz com tudo o que o rodeia, mas desiludido com um mundo que já não lhe reconhece a utilidade ou gratidão de outrora. Katsumoto sabe a diferença entre morrer por aquilo em que se acredita e morrer por causa daquilo em que se acredita.
Infelizmente o realizador e argumentistas não se lembraram disso e o filme acaba por obedecer á lógica dos grandes projectos blockbuster. Vejam o filme para saber do que falo.

De resto este é um filme em que o americano não é o conversor da cultura que encontra, mas é antes convertido a essa cultura. Esta é uma abordagem refrescante e bem realista. Todo o filme acaba por ser bem original nas ideias que traz para o grande ecrã e na minha opinião apenas o final, que convenhamos não é horrível, o impede de ser algo de verdadeiramente único. Não deixa de ser um dos meus filmes favoritos, um que é tão idealista como Katsumoto. No fim fica a pergunta: afinal quem é o ultimo samurai do título? Nathan Algren? Katsumoto?

Veredicto: 4/5 (Katanas)

Realizador: Edward Zwick
Elenco:
Tom Cruise
KenWatanabe
Timothy Spall
Koyuki Kato
Billy Connolly

Notas: Deste realizador aconselho os filmes "Diamante de sangue" e "Lendas de paixão".

Princesa Mononoke - Mononoke Hime

2009-02-02T16:53:00.000-08:00

Magnum opus de Miyazaki

Hayao Miyazaki é um dos maiores contadores de histórias da sétima arte. Apresentou aquele que é, da sua vasta e fantástica carreira, o meu filme favorito. Tornou-se comum chamar a Miyazaki o Walt Disney do oriente, mas para mim, que detesto comparações, este paralelismo era absolutamente dispensável. De facto a importância de Miyazaki só não é maior a nível mundial, porque os seus filmes não tiveram, na sua maioria a visibilidade dos de Walt Disney. De resto admito que a popularidade que cada um recebe nos seus países de origem é semelhante: são ambos baluartes do cinema de animação. Mas passemos ao filme.

Em "Princesa Mononoke" as personagens principais são Ashitaka (Yoji Matsuda), um príncipe que tenta estabelecer tréguas entre os humanos de uma cidade e as criaturas da floresta que a rodeiam e San (Yuriko Ishida), uma rapariga selvagem criada por lobos. No início do filme, Ashitaka é amaldiçoado por um animal doente enquanto tenta proteger a sua aldeia. A maldição começa a consumir o seu corpo e este entra numa corrida contra o tempo para tentar descobrir uma cura.

Na sua procura pela génesa da maldição o jovem príncipe irá encontrar um monge de nome Jigo (Kaoru Kobayashi). O monge dirá que a cura para a maldição jaz na captura da cabeça do espírito da floresta, capaz de curar tudo.

Na sua viagem o príncipe irá deparar-se com um acampamento humano designado Irontown. Aí a regente da cidade, Lady Eboshi (Yoko Tanaka) gere não só a defesa daqueles que habitam a cidade, como instalou uma pequena produção metalúrgica para a produção de armas e subsistência daquele aglomerado. Contudo a exploração metalúrgica implica a destruição da àrea circundante da floresta, pelo que os humanos de Iron town estão em constante guerra com as criaturas que habitam a floresta.

Numa dessas escaramuças, Ashitaka encontra San, uma rapariga guerreira que luta pelo lado dos animais. Abandonada em criança, San foi criada pela Deusa loba Moro e detesta todos os humanos devido às atrocidades que estes cometem contra a natureza.
Miyazaki coloca nas suas narrativas uma mensagem ecologista, mas este é o seu filme mais directo nesse aspecto, pois coloca em confronto directo homem e natureza.

As criaturas que habitam a floresta são visualmente encantadoras e credíveis: os alvos lobos gigantes, os enormes e brutos javalis, as luminescentes fadas da floresta ou o misterioso e exótico espírito da floresta. A própria floresta é um local de vegetação verdejante e luxuriante, com uma aura de magia e inocência. Sem dúvida que os momentos de maior beleza visual se desenrolam na floresta.

Os ambientes urbanos, particularmente Iron town são vivos, detalhados e coloridos. Fumo sai das chaminés, pessoas várias caminham dentro das muralhas, veiculando um buliçio tão característico de uma revolução social e industrial que se estava a operar naquela era - uma era em que os senhores feudais perdiam poder, uma era em que a tradição dava lugar ao modernismo.

Os humanos são personagens complexas pelas quais nos interessamos: Ashitaka é um príncipe tenta salvar a sua vida, mas ao mesmo tempo procura uma solução para o conflicto que encontra em Iron town. Apesar de ser o arquétipo de herói incorruptível, representa o melhor que a humanidade tem para oferecer: argúcia, desejo de paz e compaixão.

San é uma humana que odeia humanos. Esta contradição marca um ponto importante da narrativa: não devem homens e animais partilhar o mesmo espaço em harmonia em vez de o destruir e de se destruirem uns aos outros?

Lady Eboshi é provavelmente a personagem mais complexa. O seu caracter dual prova que neste filme não existe uma linha definida entre o que é o bem e o mal. Se por um lado as suas acções são catalizadoras de alguns momentos trágicos do filme, por outro Eboshi é uma mulher que demonstra compaixão, respeito pelos seus pares, que apenas quer defender o seu lar - apesar das consequências desse desejo.

Miyazaki consegue cristalizar num só filme vários elementos: mitologia japonesa, principalmente na forma das criaturas da floresta, uma mensagem ecológica, um ideal de paz, uma história de amor, sequências de aventura, personagens apelativas, cenários ricos e detalhados e uma técnica de animação irrepreensível e belíssima. O resultado é um filme com consciência, magia e encanto. Um clássico intemporal

Veredicto: 5/5 (Kodamas)

Realizador: Hayao Miyazaki
Elenco:
Yoji Matsuda
Yuriko Ishida
Akihiro Miwa
Yuko Tanaka
Kaoru Kobayashi
Sumi Shimamoto
(Japão)
Billy Crudup
Claire Danes
Gillian Anderson
Minnie Driver
Billy Bod Thornton
Jada Pinkett Smith
(E.U.A)

Notas: Continuando na senda de recomendar filmes de Miyazaki, sugiro "Nausicaa of the valley of the wind".

Ultimo tango em Paris - Ultimo Tango a Parigi

2009-01-26T19:41:00.000-08:00

A bela e o monstro...ou será ao contrário?

Brando e Schneider ou um conto de almas perdidas. Ele (Marlon Brando) um americano de 45 anos a viver em Paris, assombrado pela morte da mulher. Ela é Jane Eyre (Maria Shneider) uma bela parisiense de 20 anos, noiva de um jovem realizador. Ambos procuram um apartamento para alugar. Encontram-se num apartamento livre e a partir desse momentos os seus corpos ficarão entrelaçados numa união física, sexual, levada ao limite.

Ele não quer saber o nome dela e não lhe diz o seu. A sua relação nasce de uma necessidade de preencher, através de jogos sexuais, um vazio que até ali as suas vidas não souberam suprir de outra forma. Ele é uma alma atormentada, um espectro, fisicamente decadente e mentalmente quebrado. Ela é jovem, mas sente-se perdida, sem rumo decidindo entrar num jogo de máscaras no qual é subjugada sexualmente - ou será o inverso?

Estes desconhecidos, estes amantes irregulares fazem de um apartamento vazio o seu recreio; apartamento esse que é um reflexo do quão despidos estão não só os corpos, mas os espíritos. Quando o sol ilumina aquelas quatro paredes a melancolia é mais evidente, como se não houvesse forma de esta se esconder.

Paris aqui não é uma imagem risonha de um postal de férias. É real, anti-romântica e desencantada como as personagens que a habitam.

Sinto que pintei um quadro negro de um filme triste. De facto este é um filme soturno sobre as consequências de um amor fou, um tipo de amor tão avassalador como destrutivo. Quando a música de Gato Barbieri relembramos a perenidade da vida e a natureza fugaz do sentimento. Contudo este filme desafia o nihilismo do amor que vemos no ecrã e faz-nos questionar: será possível resgatar um coração moribundo?

Veredicto: 4/5 (Pacotes de manteiga)

Realizador: Bernardo Bertolucci
Elenco:
Marlon Brando
Maria Schneider
Jean-Piérre Léaud

Notas: Do mesmo realizador e com uma temática não muito afastada aconselho "Os sonhadores". Um filme menos melancólico, menos impactante do ponto de vista emocional, mas ainda assim um bom filme.

Melhor é impossível - As good as it gets

2009-01-26T16:59:00.000-08:00

Talvez seja possível

Melvin Udall (Jack Nicholson) é uma das pessoas mais odiosas que poderão imaginar: mal-criado, misantropo e rude. Além disso é um obsessivo compulsivo que nunca usa os mesmos talheres duas vezes e que caminha sem tocar nos limites dos panéis dos passeios. Melvin ganha a vida como um bem sucedido escritor de romances. Como é possível um misantropo fazer isso? Bem. como ele tão bem explica a uma fã sua, o segredo para compreender as mulheres é "eu penso num homem e depois retiro-lhe a razão e a responsabilidade".

Não é facil simpatizar com Melvin, afinal de contas ele é indesejado até no restaurante onde regularmente come, pois é rude para todas as empregadas e só aceita ser servido por uma. Seu nome é Carol (Helen Hunt), uma mulher de caracter forte e espírito doce, que tolera a ingratidão e rudeza de Melvin. Um dia tudo muda, quando o azar bate á porta de um dos vizinhos do protagonista, Simon (Greg Kinnear). Simon é um pintor gay - imaginem os comentários que Melvin lhe dirige - que é assaltado e agredido. Durante a sua estadia no hospital, o seu pequeno cão vai para aos "cuidados" do seu horrível vizinho. A partir daqui, as vidas de Melvin, Carol e Simon irão sofrer uma reviravolta.

A história é apenas um pretexto para juntar as personagens em situações que geram mal-entendidos, romance, mais equívocos e auto-descobertas. Mas, a verdadeira força do filme são as personagens e os fantásticos actores que os personificam.

Carol é um poço de força e doçura. Uma mãe solteira que luta para equilibrar o seu trabalho e as despesas médicas para tratar do seu filho asmático. Uma mulher que teme estar a perder os melhores anos da sua vida, uma mulher vibrante que ainda sonha com o amor. Helen Hunt entrega-se à personagem e é um prazer ver os seus "duelos" com Nicholson.

Simon é um homem sensível, um artista dotado que tem demasiado azar na sua vida. Uma pessoa com a qual é facil simpatizar, o oposto de Melvin.

E claro Nicholson. Um tour de force, uma força da natureza. Onde acaba o actor e começa a personagem? Ele é a força do filme, apesar de estar muitíssimo bem acompanhado pelo restante elenco. Mais que descrever urge ver o seu desempenho.

"Melhor é impossível" é uma comédia que vai buscar humor onde não julgariamos encontrar; vai buscar esperança onde não esperavamos existir. Este filme relembra-nos que nunca é tarde para sermos o melhor que podemos ser, que nunca é tarde para acordarmos para o amor. è um filme sobre segundas oportunidades - e terceiras e quartas...
Nessa busca vamos tropeçando pelo caminho, mas viagens como esta valem a pena nem que seja pelo destino que é fantástico.

Veredicto: 4/5 (cãezinhos peludos)

Realizador: James L. Brooks
Elenco:
Jack Nicholson
Helen Hunt
Greg Kinnear
Cuba Gooding Jr.

Notas: Num registo semelhante da fórmula homem-mau-que-se-arrepende-e-fica-bonzinho, aconselho "Ghost town", que também é uma comédia romântica, com um tema sobrenatural.

A Noiva Cadáver - Corpse Bride

2009-01-23T17:43:00.000-08:00

A morte fica-lhe tão bem

Tim Burton é um dos realizadores actuais cujo estilo é impossível de não reconhecer. A vasta maioria da sua obra apresenta-nos protagonistas que são maioritariamente párias da sociedade por serem diferentes quer física quer psicologicamente. Não só isto, marca o estilo de Burton conhecido por nos introduzir em mundos sobrenaturais, fantásticos, pontuados por um estilo gótico salpicado de humor um humor tão negro como caloroso. Soa contraditório? Talvez, mas em na obra de Burton importa ver para compreender, pois o seu estilo visual é único.

Em "A Noiva Cadáver" - só o título parece saído de um poema de Poe - ficamos a conhecer Victor Van Dort ( Johnny Depp), um jovem cujos pais, comerciantes de peixe recentemente endinheirados o querem casar com uma mulher que ele nunca viu. A noiva é Victoria Everglot (Emily Watson) uma jovem e bela mulher filha de aristocratas decadentes e corruptos. A Victor não agrada nada a ideia de casar com alguém que nunca viu e não conhece, mas apesar de algumas falsas partidas e expectativas negativas, ele e Victoria cedo se começam a conhecer e apaixonam-se quase imediatamente. Contudo Victor engana-se no ensaio do casamento e o padre proíbe-o de voltar á igreja sem este decorar os votos de casamento.

Vagueando pela floresta ele vai recitando sempre de forma falhada os votos, até que, enchendo-se de coragem coloca o anel num ramo seco que parece uma mão humana e recita-os com sucesso. Contudo o ramo era de facto uma mão humana, que o agarra. Do solo emerge a Noiva Cadáver Emily (Helena Bonham Carter). Com um vestido bolorento e ela própria em franca decomposição, Emily declara Victor seu marido e após alguma luta beija-o. Este desmaia e quando recupera a consciência acorda no mundo dos mortos.

Está dado o mote para uma história com alguns contornos macabros, como é apanágio de Burton, mas sempre contada com coração e muito música e cor. Que divertido é constatar que o mundo dos mortos é infinitamente mais colorido e divertido que o dos humanos. Números musicais interpretados por esqueletos e outros seres sem batimentos cardíacos, mas que são mais joviais e mais vivos que os cinzentos humanos que vivem à superfície. De facto os humanos são apresentados com um ar de enfado, um tom de pele cinza e olheiras de quem já não dorme semanas a fio; o tempo é sempre cinzento e chuvoso ao ponto de quando nos é apresentado o mundo dos mortos ficamos a pensar que todo o filme podia ser passado ali. Claro que isso descaracterizava esta obra que assenta exactamente no contraste entre a apatia do mundo dos vivos e o tom quase de cabaret do mundo sobrenatural.

Os mortos são seres visualmente interessantes e contêm indivíduos tão coloridos como General Bonesapart, Bonejangles ou o carismático cão Scraps. A breve reunião que ocorre entre os mortos e os vivos é dos momentos mais ternos do filme e não deve ser descurado.

Ao vermos este filme é impossível não nos relembrarmos de Halloween town em "O estranho mundo de Jack" ou da vida após a morte em "Beetlejuice: os fantasmas divertem-se". Em ambos os casos podemos ver semelhanças estilísticas nos reinos sobrenaturais ali representados, ou não fossem essas obras de Burton também.

O filme é eficaz em criar uma história de amor simples, mas recheada de personagens adoráveis no caso de Emily, Victor, Victoria, Scraps ou detestáveis no caso dos interesseiros pais dos noivos ou do vilão principal - que não revelarei para quem ainda não viu. Os momentos musicais são da estarei a que Burton já nos habituou nos seus filmes, com letras espirituosas, momentos de humor visual deliciosos e melodias que ficam no ouvido. O filme nunca perde o seu tom alegre apesar do que o tema possa indicar, mesmo nas cenas mais tensas. Burton consegue mais uma vez um filme que é capaz de atingir um publico transversal sem sacrificar o seu estilo.

A técnica de stop-animation aqui empregue é do mais sublime que já vi, com os modelos das personagens muito expressivos, detalhados e complexos. O processo moroso que implica a concretização desta técnica de animação, em que cada movimento tem que ser preparado e fotografado frame por frame, apenas dá mais valor ao producto final, que é não só um excelente filme de fantasia, como um dos melhores filmes de animação que já tive o prazer de ver.

Para ver e rever.

Veredicto: 5/5 (Ossos)

Realizador: Tim Burton
Elenco:
Johnny Depp
Helena Bonham Carter
Emily Watson
Cristopher Lee
Tracey Ullman
Paul Whitehouse
Joanna Lumley
Albert Finney

Notas: Tim Burton é um dos meus autores favoritos e recomendar os seus filmes é fácil. Para quem é um iniciado na sua obra e quer se manter por este terreno fantástico da dicotomia entre o reino dos vivos e dos mortos recomendo "O estranho mundo de Jack" e "Beetlejuice: os fantasmas divertem-se".

Oldboy: Velho amigo - Hangul

2009-01-23T16:22:00.000-08:00

Viagem às profundezas do espírito humano

Oh Dae-su ( Choi Min- sik) é um homem de negócios com mulher e família. Um homem com absolutamente nada de extrarodinário, alguém capaz de dar à normalidade um ar de entusiasmo. Bêbado e preso numa esquadra de polícia aguarda que o seu amigo lhe paga a fiança, enquanto faz uma figura deplorável. Finalmente livre Dae-su e seu amigo dirigem-se a uma cabine telefónica para ligarem para a sua mulher, assegurando-lhe que regressará aquela noite a casa. Contudo Dae-su desaparece misteriosamente, mesmo debaixo das barbas do seu amigo.

Acorda dias mais tarde num deplorável quarto de hotel, sem explicação de como ou porquê ali foi parar. Não lhe são permitidas visitas, telefonemas e come todos os dias a mesma comida, servida por uma ranhura na porta. Começando a alucinar e a ficar paranóico, Dae-su tenta suicidar-se inúmeras vezes, mas nunca consegue porque o quarto enche-se de gás ficando inconsciente.
Resignado à sua condição captiva, este começa então a treinar-se fisicamente e usa a televisão como um calendário, para não perder a percepção da passagem do tempo. Um dia Oh Dae-su descobre, ao ver televisão, que a sua mulher foi assassinada, a sua filha enviada para pais adoptivos e que ele é o principal suspeito do homicídio. Decidido a escapar, começa a cavar um túnel numa parede. Perto da realização da sua fuga Dae-su é libertado com um novo par de roupas e os seus diários escritos enquanto esteve preso. Passaram-se quinze anos.

Com a sua libertação começa uma busca por respostas e por vingança contra os seus encarceradores. Depois de um início prometedor, o filme progride num turbilhão emocional de violência e descoberta. "Oldboy" apresenta-nos contrastes deliciosos a nível visual como o decadente hotel onde Dae -su é preso ou a nívea paisagem final banhada por neve. Os cenários parecem extensões verdadeiras das personalidades das personagens e nesse sentido a mise en scéne é excepcional. As cores são escuras, sujas quando vemos o hotel/prisão, algumas ruas por onde o protagonista vagueia, mas por outro lado existe uma aura cristalina de cores em ambientes urbanos mais tranquilos, na casa onde Dae-su se refugia e também na escola que ele revisita. Visualmente considero o filme visualmente estimulante. Depois somos presenteados com uma cena de luta, rodada num único take, que é emocionante, exagerada, mas nunca aborrecida e sempre fascinante. Quero também elogiar a de Choi Min-sik, num registo entre o homem e a máquina. Muito do impacto visceral do filme jaz na sua interpretação formidável.

Considero ser refrescante um filme que nos força a rever os estereótipos das personagens em histórias de vingança: quem é o vilão e quem é o herói? O que é mais importante: obter vingança ou obter respostas? É a vingança um fin em si mesmo? - se acham que acabei de estragar, inadvertidamente, algum ponto-chave do enredo, é mais uma prova da capacidade do filme em vos tirar o tapete debaixo dos pés. Se permitirmos fazer a nós mesmos estas perguntas então este filme já se terá colocado num patamar superior.

Muitos filmes sobre vingança são formulaicos e previsíveis, mas não este. Aqui somos levados e entrar numa teia muito enredada e no fim devemos questionar o que realmente significa obter retribuição e quais as suas consequências. "Oldboy" é um filme que desafia muitos tabus, mas dizer mais sobre isso seria estragar a experiência. Posso contudo dizer que um filme de acção - se quisermos rotular - que nos obriga a reflectir sobre as consequências da violência, só pode ser meritoso. Mas está longe de ser um filme fácil, pois contêm cenas chocantes de violência e um fim que se assemelha a um loop vertiginoso numa montanha russa. Quando chegamos ao fim da viagem, o filme ainda nos permite fazer uma leitura pessoal do seu desfecho e por consequência uma releitura de toda a obra.

"Oldboy" não é um blockbuster de acção, mas tem cenas virtiginosas; não é um drama, mas causa impacto emocional. Defino este filme como um mosaico do coração humano, capaz de albergar em si vários tons: do mais insondável negro ao verde mais esperançoso.

Veredicto: 5/5 (Martelos)

Realizador: Park Chan-wook
Elenco:
Choi Min-sik
Yu Ji-tae
Kang Hye-jeong

Notas: para quem quiser completar a trilogia sobre a vingança de Park Chan- wook aconselho "Simpathy for Mr. Vengeance", que precede este "Odboy" e "Simpathy for Lady Vengeance" o filme final. Este filmes só estão ligados tematicamente. Os enredos são estanques entre si.

Disponível para amar - Huāyàng niánhuá

2009-01-22T08:18:00.000-08:00

Os silêncios entre as palavras

Hong Kong, 1942. Chow Mo-Wan (Tony Leung), um jornalista, aluga um quarto num apartamento pertencente a uma família de Shangai. No mesmo dia So Lai-Zhen (Maggie Cheung), uma secretária de uma companhia de exportação faz o mesmo. Eles tornam-se vizinhos. Ambos tem esposos que estão ausentes em trabalho deixando-os sozinhos durante os seus longos turnos. Apesar da presença de uma senhoria simpática e de um número grande e constante de jogadores de mahjong, Chow e So passam a maior parte do seu tempo sozinhos nos seus quartos e eventualmente uma amizade entre os dois ganha forma. Não demora muito tempo até ambos chegarem a uma conclusão sobre a razão para os seus esposos estarem sempre ausentes: estão envolvidos numa relação adúltera...um com o outro. Chow convence So a re-imaginar o que ela acha que poderia estar a acontecer entre o marido dela e a esposa dele. A partir desse momento a linha entre um jogo de representação e um romance real começa a esbater-se.

A proximidade de ambos leva as pessoas que os rodeiam a suspeitar que estão apaixonados, mas Chow e So concordaram que envolverem-se um com o outro significaria tornarem-se no mesmo que os seus esposos adúlteros. Esta racionalização dita o ritmo de todo um filme sobre duas pessoas que se desejam, mas agem não de acordo com o que sentem, mas com o que acham que o outro sente. Chow pensa que So não quer mais que uma amizade e logo não tenta consumar o desejo que sente; So por seu lado segue uma linha de pensamento idêntica. Sim, ambos professam verbalmente o seu acordo em não se envolverem, mas sempre seguindo aquilo que acham que o outro pensa ser correcto. Este é portanto um filme sobre duas pessoas que estavam disponíveis para amar, mas provavelmente não estavam no sítio ou tempo ideal para que tal acontecesse.

Estes amantes secretos - até para eles mesmos - são nos apresentados num clima intimista: existe sempre paredes a rodea-los, quartos exíguos ou na falta disso uma enorme multidão que apenas realça a intimidade do par. As suas pequenas rotinas, como ir à mercearia, um pequeno diálogo debaixo das escadas, um cigarro sedutor ou um simples contemplar, estão carregadas de um amor platónico e de um desejo mal escondido que Chow e So sentem.
As suas conversas, todos os momentos juntos exalam um desejo de amar, não há duvida que são dois seres que querem muito estar um com o outro: a presença um do outro afasta tudo o resto, porque os amantes deixam de reparar onde estão; as suas palavras nunca são aborrecidas ou repetitivas, porque quando se fala num código de amor, fala-se do que queremos partilhar com o outro, mesmo que queiramos ocultá-lo com silêncios ou pausas, esses espaços são preenchidos com as nossas expectativas de felicidade.

Este filme foge a muitas das convenções de filmes de amantes impossíveis. Um dos mais importantes é a total relegação dos esposos ausentes e adulteros: eles de facto nunca estão presentes, a sua traição nunca é filmada, nem precisa de o ser, poisa a sua presença faz-se sentir de qualquer forma. Um dos momentos mais inspirados fo filme é a representação feita por So do que se poderia estar a passar entre o seu esposo e a amante. Podemos compreender isso, porque faz parte das nossas inseguranças imaginar aquilo que não podemos ou queremos ver, como uma forma de escape ou de tortura, ou até ambos. Mas o foco é Chow e So e creio que partilham dos momentos mais puros e sublimes que já vi no grande ecrã. Em contraste, o adultério que não vemos, mas sentimos ser vulgar e aborrecido, eleva o romance dos protagonistas a um patamar perto do sublime. A força maior deste filme reside no facto de não sentirmos a necessidade de nos identificar com os protagonistas, mas antes de simpatizarmos com eles. Neste sentido, as recompensas que o filme nos dá acabam por ser maiores e mais ricas.

Poderemos ficar a pensar qual dos dois terá mais desejo ou qual estará mais receoso de admitir que quer se entregar, mas esta é uma das várias interpretações que o filme abre e nesse aspecto é uma obra aberta no que diz respeito a emoções como o amor, o desejo e também a dilemas de consciência, porque às vezes o obstáculo que está entre nós e a felcididade, não são os outros mas nós mesmos.

Permitam-se descobrir este filme algo contemplativo, muito belo, povoado por um jogo de cores sombras, fumo de cigarro - aqui o fumo de cigarro é uma neblina que descortina as personagens, na melhor tradição do género Noir - e uma cidade tão viva como claustrofóbica. Apenas recomendo que esqueçam as convenções mais estabelecidas dos filmes românticos de Hollywood e se deixem levar pelo turbilhão de emoções que este filme terno apresenta. Quando vejo este filme apercebo-me que, no que diz respeito ao amor e ao desejo, os seus precalços aventuras e desfechos nunca são um fim, mas sim um princípio de algo esplendoroso.

Veredicto: 4/5 (Cigarros)

Realizador: Wong Kar-Wai
Elenco:
Maggie Cheung
Tony Leung
Rebecca Pan
Lai Chin Ah

Notas: De Wong Kar-Wai recomendo a pseudo sequela deste filme 2046 e num tom diferente, mas com o mesmo tema de caminho que se cruzam, apesar de as intenções não, Chungking Express.

A viagem de Chihiro - Sen to Chihiro no Kamikakushi

2009-01-20T14:38:00.000-08:00

Alice no País das maravilhas? Uma nova Neverland? Ambos, nenhum e para além deles.

Nos dias de hoje os grandes filmes de animação que estreiam nas salas de cinema, são na sua maioria animações computorizadas. Já transcendeu o estatuto de moda ou novidade há alguns anos para ser agora uma instituição. Para alguém que cresceu com a chamada animação tradicional, ainda não me habituei completamente ao facto de esta ser agora tão minoritária. Claro que as razões para isto serão de foro económico acima de tudo: os filmes de animação computorizada atraem grande quantidade de expectadores, são uma garantia de rentabilidade. Isto deve-se a um monopólio que os estúdios Norte-Americanos detêm no que diz respeito a estabelecer tendências; contudo assiste-se ao emergir de um novo tipo de world-cinema que vem provar que para cada centro há uma margem bem viva.

A animação tradicional está viva, ainda que de uma forma quantitativamente menos expressiva. Para provar isso mesmo falo agora de uma dos meus filmes favoritos pelas mãos de um dos grandes mestres da animação: Hayao Miyazaki.

Estreado em 2001, A viagem de Chihiro começa com a protagonista Chihiro - óbvio eu sei já que o nome está no título - a fazer uma viagem - estou a navegar em território de La Palice - com os seus pais para uma nova casa, numa nova cidade. Pelo caminho a família perde-se e depara-se com um misterioso túnel. Ao atravessá-lo descobrem o que parece ser uma feira, ou parque de diversões abandonado, mas por estranho que pareça tem comida acabada de cozinhar exposta em várias explanadas. Chihiro parte à descoberta da feira e encontra um rapaz chamado Haku que age como se já a tivera conhecido. Este avisa-a do perigo de permanecer naquele local e urge-a abandoná-lo rapidamente. Chihiro regressa para perto dos seus pais apenas para os encontrar transformados em porcos. Para piorar a situação o túnel por onde veio é agora um intransponível rio. A situação fica ainda mais estranha quando espíritos invadem a feira e começam a celebrar.

Haku leva Chihiro para uma espécie de termas ou banhos públicos e convence-a a procurar emprego ali, até ele poder reverter a situação dos seus pais. A dona das termas é Yubaba, uma mulher com uma cabeça tão grande como o resto do seu corpo - uma das muitas fantásticas personagens criadas por Miyazaki - cuja perfídia só encontra paralelo no tamanho do seu crânio. Chihiro é empregada nas termas a troco de abdicar do seu nome, ficando assim ao serviço de Yubaba para sempre. Nas termas a protagonista terá que dar banho e servir alguns dos espíritos mais difíceis daquele local.

Este é o inicio de um filme repleto de elementos do reino da fantasia como dragões, deuses, espíritos, homens com seis braços, bebés gigantes e a lista continua. Graças ao traço detalhado de Miyazaki estes elementos ganham uma aura de realismo à medida que nos são apresentados e vamos procurando todos os pequenos detalhes. As cores são vibrantes no seu uso ponderado - uma contradição que só pode ser explicada visualizando-a - e os cenários tem um elemento onírico, que assenta perfeitamente no tom de um filme que é também uma viagem à toca do coelho - aqui teremos que substituir não só a Alice, como também os elementos do mito e folclore europeu, pelo temas e motifs orientais.
Não podemos esquecer a mensagem ambientalista, presente em outras obras deste autor, personificada aqui através de um certo espírito do rio, num dos mais belo momentos de metamorfose do filme.

De facto, um dos grandes temas do filme é exactamente a transformação, o crescimento e o que isso implica. Chihiro é no início do filme uma criança mimada, egoísta e pessimista, mas a sua estadia a trabalhar nas termas vai transformá-la numa pessoa optimista, trabalhadora que aprende a preocupar-se com os outros. Talvez no outro espectro jaz Boh o filho de Yubaba, que é um bebé gigante mimado e supostamente agorafóbico - agorafobia é o medo de espaços abertos ou amplos. Ele também irá experimentar um crescimento interior às mãos de Chihiro. Haku o misterioso rapaz que ajuda Chihiro logo no princípio também irá sofrer uma metamorfose e relembrar-se de quem é na verdade. As personagens despertam o seu crescimento e afirmam-se como seres em devir, começando assim a realizar o seu potencial.

Sou um grande apaixonado pela cultura oriental e este filme é para mim como um cristalizar de muitas ideias que tenho dessa cultura: toda a aura de nobreza de um povo, o respeito pelas tradições do fantástico e um elo entre o homem e a natureza, que mesmo para essa mesma cultura, hoje já não está tão intacto. Mas sobretudo gosto deste filme, porque fala sobre os receios de crescer, de ser adulto quando isso implica perder uma certa candura, um olhar apaixonado interessado pela vida. Chihiro prova que não tem que ser assim e que é possível mantermos viva a capacidade de sonhar e abraçar a transformação que é crescer. Todo o mundo descoberto pela protagonista é uma espécie de Terra do Nunca, e tal como a Wendy, também Chihiro voltará mais crescida graças às suas experiências. Esta articulação com a história de Barry não será porventura tão forte como com a obra de Charles Lutwidge Dodgson, Alice no país das Maravilhas. Mas também esta articulação é apenas um exercício que fiz em posteriores visionamentos, porque no primeiro deixei o encanto fluir e vivi as aventuras de Chihiro com a vontade de estar lá - algo que poucos filmes são capazes de me incutir.

Por isso para quem não viu, recomendo que entrem no túnel, em direcção à feira que parece abandonada. Irão encontrar um mundo vivo, repleto de fantásticas visões, mistérios e detalhes deliciosos. Para os que já lá estiveram nunca é demais voltar a visitar.

Veredicto: 5/5 ( Dragões)

Realizador: Hayao Miyazaki
Elenco:
Rumi Hiragi
Miyu Hirino
Mari Natsuki
Takashi Naito
Yasuko Sawaguchi
(Japão)

Daveigh Chase
Jason Marsden
Michael Chicklis
Lauren Holly
Suzanne Pleshette
David Ogden Stiers
(E.U.A)

Notas: Como recomendar apenas um filme de Miyazaki é dificil, gostaria de recomendar todos. Mas como sei que isso seria imprudente, deixo duas recomendações: O castelo andante ( Howl's moving castle) e Princesa Mononoke (Princess Mononoke) - este ultimo irá certamente receber um post neste blog num futuro próximo.

Contado ninguém acredita - Stranger than fiction

2009-01-19T10:11:00.000-08:00

Tempus fugit versus Carpe diem

Harold Crick (Will Ferrell) é um auditor do IRS ( Internal Revenue Service) cuja vida é ditada por um conjunto de regras e rotinas destinadas a poupar tempo. Essas rotinas incluem: escovar os dentes 38 vezes para trás e para a frente, 38 vezes para cima e para baixo; usar um nó de gravata que lhe permite poupar 43 segundos ao fazê-lo; fazer uma média de 52 passos por quarteirão para apanhar o autocarro sempre à mesma hora. Harold é um homem de números e torna-se impossível não pensar, desde os primeiros minutos do filme, que a sua vida é vazia e que este homem mais se assemelha um autómato. De facto esta sinopse não pode despertar grande interesse, afinal de contas, um filme sobre um homem que trabalha para as finanças e que vive obcecado com a poupança do tempo não soa divertido ou empolgante.

Desde o início do filme ouvimos uma narração feminina a detalhar os passos de Harold no seu dia-a-dia, mas em pouco tempo Harold começa a ouvir essa voz também. A reação de Harold a essa voz omnisciente é um dos momentos de humor mais subtil que Will Ferrel nos apresenta, longe de um registo mais histriónico, que é sua imagem de marca. Um dia a narradora anuncia que Harold vai morrer, despoletando aí uma corrida contra o tempo: Harold terá que tentar descobrir a origem da voz e evitar o seu fim prematuro.

Harold vai descobrir com a ajuda de um professor de literatura, que ele é uma personagem num livro que está ainda a ser escrito. O professor, interpretado pelo sempre genial Dustin Hoffman, incumbe Harold de descobrir se a sua vida é uma comédia ou uma tragédia - num dos vários apontamentos literários que o filme inclui e que nos fazem relfectir sobre a literariedade da vida.
Há ainda tempo para o florescer de um romance entre Harold e Ana ( Maggie Gyllenhaal) uma padeira tão doce como aguerrida, a quem o primeiro vai fazer uma auditoria. E claro ficamos também a conhecer a narradora e escritora do livro no qual Harold é protagonista, Karen Eiffel (Emma Thompson).

Como comédia este filme é bastante low key, o seu tom é calmo, mas não chega a ser maçudo. Na verdade é facil ficar a gostar de Harold, um homem só, sem chama , mas que um dia desperta para a vida quando sente que poderá não ter muito mais para viver. Sem grande espalhafato vemos que nunca é tarde demais para perseguir pequenos sonhos, pequenas realizações mundanas, mas que fazem todo o sentido quando sentimos que o tempo está contra nós. Harold Crick deixa de querer poupar tempo e passa a querer vivê-lo. Não é um filme de gargalhadas amplas, mas antes de sorrisos ternos. A palete de cores é sóbria quando vemos a casa do protagonista, o seu escritório e as ruas da cidade, tudo parece estéril e impessoal; mas depois existe a pastelaria de Ana, um pequeno cantinho colorido e prazenteiro iluminado pelos olhos felinos e sorriso solarengo da padeira que coloca Harold no trilho do amor. A implementação de informação através de gráficos, para representar os comportamentos rotineiros e mecânicos de Harold, acrescentam mais ao tom estéril da sua vida no início do filme.

Para um fenómeno de articulação entre a narrativa escrita e a filmada, o filme dá-nos muito mais da segunda, mas é sem duvida eficaz em criar um certo mistério à volta da origem da voz e do desfecho que a história - e aqui esta palavra ganha um significado ainda maior - de Harold terá. As referências literárias tomam lugar maioritariamente nas interacções entre Harold e o professor Jules Hilbert nos momentos mais surrealistas do filme. Afinal de contas quantas conversas já tiveram baseadas neste pressuposto: a minha vida é um livro inacabado, mas quando este estiver terminado será literalmente o meu fim - reparem no uso da palavra literalmente.

Existem certos momentos do filme involvendo a escritora Karen Eiffel que destoam um pouco, pois são soturnos e crípticos. Tem a sua relevância para o enredo, mas acabam por estar de certa forma deslocados do tom contemplativo e até upbeat do resto do filme.
Claro que não podia deixar de fazer referência à premissa principal do filme em que o protagonista ouve a narração da sua própria vida. Todos nós podemos certamente narrar os nossos próprios passos, mas quão bizarro será ter alguém a fazê-lo por nós. Ainda para mais isso acontece a um homem cuja vida até esse ponto daria um livro menos interessante que a leitura das páginas amarelas. Esta articulação entre literatura e cinema acaba por ser esquecida em pontos do filme, à medida que a faceta humana de Harold vai despertando; esta é uma falha que não incomoda, porque na verdade este filme é sobre termos segundas oportunidades na vida e não sobre como nos comportarmos quando somos parte de uma obra de ficção.

Creio que é importante, mantermos a nossa suspensão da crença e entrarmos neste jogo sem procurar demasiadas respostas, para o porquê de existir uma pessoa que escreve e como consequência controla a vida de um estranho - isto afinal de contas uma comédia surreal onde as consequências são mais importantes que as causas. Importa sim descobrir ou relembrar que a vida tem muito para oferecer através de pequenos detalhes e pessoas extraordinárias. Este é também um filme sobre o crescimento e o enobrecer do espírito humano, mas contado de uma forma pautada. Ainda deixa espaço para reflectir sobre a influência da arte na vida e da influência do espírito humano na arte. Qual tem predominância? Nenhuma resposta é simples neste humilde filme que ainda tem espaço para dar protagonismo a um relógio.

Veredicto: 3.5/5 (autocarros)

Realizador: Marc Forster
Elenco:
Will Ferrel
Maggie Gyllenhaal
Dustin Hoffman
Emma Thompson
Queen Latifah
Tony Hale

Notas: para ver mais filmes deste realizador, que tem sido capaz de navegar por géneros díspares, aconselho: Á procura da Terra do Nunca ( Finding Neverland) e 007 Quantum of Solace.

Uma sala escura cheia de luz

2009-01-17T18:58:00.000-08:00

Entro na sala de cinema e sento-me. Normalmente nunca sou o primeiro a chegar, gosto da lotaria dos lugares não marcados. Gosto de ter que escolher um lugar, sabendo que a sala pode estar cheia e ter que ficar num canto, ou descobri-la vazia e sentar-me na fila central no lugar que mais me parece estar centrado com o ecrã.
Preparo o meu conforto da melhor maneira possível: tiro o casaco, desligo o som do telemóvel e começo a comer pipocas e nem os trailers começaram. Se estiver acompanhado a conversa não tem que ser sobre o filme que vai ser projectado, mas se for trocam-se expectativas, opiniões que já se conhecem ou informação trivial sobre o filme em questão.
Depois a sala começa a escurecer e assisto a alguma publicidade e trailers que servem para aguçar o apetite para outras vindas ao cinema. A apreciação dos trailers é um assunto que deixarei para outra altura, pois é mais longo que a duração dos mesmos.
Então o filme começa e a sala silencia. O som das pipocas a serem mastigadas não é um estorvo, mas uma adição sonora que nos suga ainda mais, para um momento em que deixamos a nossa realidade por algum tempo.
Sigo o desenrolar da acção na tela, vejo a luz do projector sob a minha cabeça, observo a expressão de quem está ao meu lado, deixo-me levar pelas imagens, palavras, sons que vem do ecrã luminoso que preenche toda a sala deixando apenas uma moldura de escuridão.
Não estou sozinho no cinema. Ver um filme é simultaneamente uma experiência pessoal e colectiva; por um lado o filme cria em mim um conjunto de emoções e sensações irrepetíveis e únicas, mas por outro existe uma comunhão de experiências: quando o vilão se aproxima do herói ferido para o matar, toda a audiência fica suspensa esperando que o vilão seja mal sucedido; quando Harry e a Sally ficam juntos no fim do filme, há uma aura colectiva de satisfação; quando uma insuspeita vítima está prestes a ser atacada pelo Freddy Krueger, a sala fica em antecipação num misto de horror e ansiedade. E que dizer da gargalhada comum, partilhada por uma vasta audiência face aos disastres de um Jim Carrey, Ben Stiller ou Borat? Ou do terno encanto de um Jack Skellington a cantar pelas ruas de Halloween town? Partilho estes sentimentos com pessoas que não conheço, mas durante a duração do filme estamos a viver uma experiência conjunta.
No fim rolam os créditos finais e as luzes acendem-se. Quando estou só gosto de ficar até ao fim dos créditos e reflectir um pouco sobre o filme. Umas vezes gosto, outras gosto menos, mas quando saio da sala de cinema estou um pouco mais enriquecido. O pacote de pipocas já está vazio tal como a sala. Para a semana há mais com a garantia que será diferente, mas sempre com a possibilidade de ser sublime.